Intervista all'artista Tim Austin, tra i protagonisti dell'evento "Italy calls the World"
di Francesca Callipari
In occasione della Mostra Internazionale "Italy calls the world" che si svolgerà a New York dal 21 giugno presso la Fridman Gallery, abbiamo avuto il piacere di intervistare Tim Austin, tra gli artisti selezionati per questo evento.
1. Com'è iniziata la tua passione per l'arte?
Non mi sono avvicinato all'arte prima dei venticinque, trent'anni. Prima di allora, non avevo un vero sbocco creativo e finivo spesso nei guai. Ho passato molto tempo in psicoterapia e un giorno notai dei quadri nell'ufficio del mio dottore. Chiesi informazioni e lui mi disse che erano stati realizzati da alcuni suoi pazienti schizofrenici e bipolari. Mi suggerì che forse avere uno sbocco creativo avrebbe potuto aiutarmi a smettere di tentare di uccidermi.
Così ci ho provato. Ho iniziato da autodidatta con piccole cose dopo il lavoro, poi ho seguito dei corsi di formazione continua al Delaware College of Art and Design un paio di sere a settimana. Dopo un anno o due, ho mandato di nuovo in frantumi la mia vita — ho lasciato mia moglie, ho lasciato tutto — e ho deciso che tanto valeva andare alla scuola d'arte e vedere cosa sarebbe successo.
Prima di allora, l'unica cosa che sapevo davvero sull'arte riguardava le Tartarughe Ninja. Ho passato lunghi periodi della mia vita ignorando cose che avevo proprio davanti agli occhi. E poi, faccio un salto nel vuoto e inciampo in qualcosa che funziona.
Forse avrei dovuto fare quel salto prima. Forse non mi sarebbe costato così tanto. Ma si vive e si impara. Spero.
2. In che modo il dolore si trasforma in un monumento fisico? Credi che l'arte abbia il dovere di essere "scomoda" a volte per rompere il silenzio su difficili questioni sociali?
Ho lavorato con la Creative Vision Factory al monumento Spiral Cemetery presso l'ospedale statale del Delaware. Il progetto è nato quando una dipendente, Faith Kuehn, ha scoperto una fossa comune di pazienti sepolti sotto un cavalcavia autostradale nei terreni dell'ospedale. C'erano lapidi numerate nascoste sotto anni di vegetazione incolta — persone che erano state dimenticate.
Il progetto è diventato una collaborazione tra Faith, la CVF e altri per identificare quegli individui e creare un monumento in piastrelle di ceramica con i loro nomi.
Come persona che ha trascorso una parte significativa della propria vita dentro e fuori dal sistema di salute mentale in America, questo lavoro è personale. Ne comprendo sia le intenzioni che i fallimenti — le parti di cui non si parla. Ci sono molte persone che soffrono in silenzio dentro quel sistema, spesso sole e trascurate.
Il monumento non serviva solo a esporre qualcosa di doloroso — serviva a unire le persone per riconoscerlo e per creare qualcosa di umano partendo da esso. C'era qualcosa di significativo nel fare quel lavoro all'aperto, allo scoperto, alla luce del sole.
Non so se l'arte abbia un "dovere" di essere scomoda, ma penso che abbia la responsabilità di essere onesta. E a volte l'onestà è scomoda.
3. Le tue opere sono più istintive o il risultato di una ricerca concettuale approfondita?
Tendo a vivere le cose in frammenti — schemi, impressioni, sensazioni che sembrano provenire contemporaneamente dal passato e dal futuro. Per molto tempo, ho faticato a comunicarlo senza travolgere le persone. Provavo a spiegare cosa vedessi o sentissi, e ne usciva qualcosa di troppo astratto o eccessivo tutto in una volta.
L'arte è diventata un modo per spostare quelle cose fuori di me.
Gran parte del lavoro inizia come qualcosa di compulsivo — come se avessi bisogno di tirarlo fuori, quasi fisicamente — prima di poter fare un passo indietro e capire cosa sia successo. A volte do un titolo ai pezzi. A volte sono solo sollevato dal fatto che esistano fuori di me.
Per molto tempo, è sembrato un dialogo privato — qualcosa che tenevo per me, o che addirittura distruggevo. Solo di recente, con l'incoraggiamento delle persone intorno a me, ho iniziato a condividerlo più apertamente e a permettere ad altri di entrare in quel processo.
Ciò che ho capito è che il lavoro non mi appartiene interamente. Io sono solo parte del modo in cui esso attraversa.
Quindi è istintivo nel modo in cui inizia, ma concettuale nel modo in cui arrivo a comprenderlo in seguito.
4. Se dovessi descrivere la tua arte in tre parole, quali sarebbero?
Non sono ancora sicuro.
5. Parlaci delle opere che esporrai alla Fridman Gallery. Quale messaggio vorresti lasciare ai visitatori con queste opere?
Esporrò due pezzi: Screams e Saturn's Rings, creati durante periodi diversi della mia vita.
Saturn's Rings è iniziato come un tentativo compulsivo di documentare uno schema che stavo vedendo in quel periodo. Sono sempre stato attratto dagli schemi numerici e visivi nei fenomeni naturali — specialmente il modo in cui la luce si irradia in sistemi concentrici che sembrano più complessi di una semplice ripetizione. A volte sembra che quegli schemi portino una sorta di ritmo codificato — come una canzone o una struttura sotto ciò che normalmente notiamo.
Quel pezzo era il mio modo di cercare di capire questo — di costruire il mio sistema attorno a qualcosa che non riuscivo a spiegare del tutto.
Screams è nato da un luogo molto diverso. Ci ho lavorato mentre ero alla Creative Vision Factory, circondato da molti ambienti intensi e conversazioni che mi sono rimaste impresse nel tempo. Tendo a conservare le cose che la gente dice per anni prima che acquisiscano un senso.
Il pezzo mescola quei pensieri persistenti con un segno ripetitivo — quasi come un modo per elaborare tutto indirettamente. Nel tempo, elementi di scienza, teoria del colore e altre influenze si stratificano nel lavoro, anche se non li comprendo appieno fino a più tardi.
Semmai, spero che le persone si connettano ad esso a modo loro — che sia attraverso le immagini, il colore o semplicemente l'esperienza dell'osservazione.
Interview with artist Tim Austin, one of the participants in the "Italy Calls the World" event.
On the occasion of the International Exhibition "Italy Calls the World," which will take place in New York from June 21st at the Fridman Gallery, we had the pleasure of interviewing Tim Austin, one of the artists selected for this event.
1. How did your passion for art begin?
I didn't get into art until my mid to late twenties. Before that, I didn't really have a creative outlet, and I was in trouble a lot. I spent a long time in psychotherapy, and one day I noticed some paintings in my doctor's office. I asked about them, and he told me they were made by some of his schizophrenic and bipolar patients. He suggested that maybe having a creative outlet might help me stop trying to kill myself.
So I tried. I started teaching myself small things after work, then took continuing education classes at the Delaware College of Art and Design a couple nights a week. After a year or two, I burned my life to the ground again—left my wife, left everything—and decided I might as well go to art school and see what happens.
Before that, the only thing I really knew about art was the Ninja Turtles. I've spent long stretches of my life missing things that were right in front of me. And then, sometimes, I take a leap and stumble into something that works.
Maybe I should have leapt sooner. Maybe it wouldn't have cost me so much.
But you live, and you learn. Hopefully.
2. How is pain transformed into a physical monument? Do you believe art has a duty to be "uncomfortable" at times to break the silence on difficult social issues?
I worked with the Creative Vision Factory on the Spiral Cemetery monument at the Delaware State Hospital. The project began when an employee, Faith Kuehn, discovered a mass grave of patients buried beneath an interstate overpass on the hospital grounds. There were numbered stone markers hidden under years of overgrowth—people who had been forgotten.
The project became a collaboration between Faith, the CVF, and others to identify those individuals and create a ceramic tile monument bearing their names.
As someone who has spent a significant part of my life in and out of the mental health system in America, this work is personal. I understand both its intentions and its failures—the parts that don't get spoken about. There are a lot of people who suffer quietly inside that system, often alone and overlooked.
The monument wasn't just about exposing something painful—it was about bringing people together to acknowledge it, and to create something human out of it. There was something meaningful about doing that work outside, in the open, in the sunlight.
I don't know if art has a "duty" to be uncomfortable, but I do think it has a responsibility to be honest. And sometimes honesty is uncomfortable.
3. Are your works more instinctive or the result of extensive conceptual research?
I tend to experience things in fragments—patterns, impressions, sensations that feel like they're coming from both the past and the future at the same time. For a long time, I struggled to communicate that without overwhelming people. I'd try to explain what I was seeing or feeling, and it would come out as something too abstract or too much all at once.
Art became a way to move those things out of me. A lot of the work starts as something compulsive—like I need to get it out, almost physically—before I can step back and understand what happened. Sometimes I title the pieces. Sometimes I'm just relieved they exist outside of me.
For a long time, it felt like a private dialogue—something I kept to myself, or even destroyed. Only recently, with encouragement from people around me, have I started to share it more openly and allow others into that process.
What I've come to realize is that the work doesn't entirely belong to me. I'm just part of how it comes through. So it's instinctive in how it begins, but conceptual in how I come to understand it afterward.
4. If you had to describe your art in three words, what would they be?
Not sure yet.
5. Tell us about the works you will exhibit at the Fridman Gallery. What message would you like to leave visitors with these works?
I will be exhibiting two pieces: Screams and Saturn's Rings, created during different periods of my life.
Saturn's Rings began as a compulsive attempt to document a pattern I was seeing at the time. I've always been drawn to numerical and visual patterns in natural phenomena—especially the way light radiates in concentric systems that feel more complex than simple repetition. Sometimes it feels like those patterns carry a kind of coded rhythm—like a song or a structure beneath what we normally notice.
That piece was my way of trying to understand that—to build my own system around something I couldn't quite explain.
Screams came from a very different place. I worked on it while at the Creative Vision Factory, surrounded by a lot of intense environments and conversations that stayed with me over time. I tend to hold onto things people say for years before they make sense.
The piece blends those lingering thoughts with repetitive mark-making—almost like a way of processing everything indirectly. Over time, elements of science, color theory, and other influences layer themselves into the work, even if I don't fully understand them until later.
If anything, I hope people connect with it in their own way—whether that's through the imagery, the color, or just the experience of looking.