Intervista all'artista Lana Ritter, tra i protagonisti dell'evento "Italy calls the World"
di Elisa Tommasoni
In occasione della Mostra Internazionale "Italy calls the world" che si svolgerà a New York dal 21 giugno presso la Fridman Gallery, abbiamo avuto il piacere di intervistare Lana Ritter, tra gli artisti selezionati per questo evento.
1. Ciao Lana, per iniziare la nostra conversazione, puoi parlarci del tuo percorso artistico? Hai una formazione accademica o sei autodidatta?
Il mio percorso artistico è stato una combinazione di intuizione, sperimentazione e apprendimento costante. Unisco la pratica da autodidatta alla formazione accademica. Nel corso degli anni ho frequentato workshop di artisti rinomati, ho studiato diverse tecniche e ho sviluppato continuamente il mio linguaggio artistico attraverso la pratica e la ricerca. Studio anche alla Barcelona Academy of Art, il che mi fornisce una preziosa visione accademica pur permettendomi di preservare la mia libertà creativa e il mio stile personale.
L'arte è sempre stata un linguaggio naturale per me — qualcosa che sentivo molto prima di comprenderlo intellettualmente. Nel tempo ho sviluppato una mia tecnica in mixed media e un approccio scultoreo alla pittura, concentrandomi sulla texture, sulla profondità emotiva e su superfici tattili che invitano lo spettatore non solo a guardare l'opera, ma a "sentirla".
2. Quando crei le tue opere, lavori più su un livello interiore e intuitivo o si tratta di un processo più razionale?
Il processo inizia sempre in modo intuitivo. Di solito, sento prima un'emozione, un'atmosfera o una tensione interiore che chiede di essere espressa visivamente.
Allo stesso tempo, c'è un lato consapevole e strutturato nel mio lavoro — specialmente nella costruzione delle composizioni, delle trame e dei livelli. Direi che i miei dipinti nascono da un dialogo tra intuizione e controllo. L'una dona libertà, l'altro l'equilibrio.
3. Quanto è importante la cultura della tua terra d'origine, la Svizzera, nella creazione delle tue opere?
La Svizzera influenza il mio lavoro attraverso il suo legame con la natura, l'equilibrio, la bellezza e un certo senso di libertà. Credo che questi elementi si possano percepire nell'atmosfera delle mie opere e nell'armonia tra espressione emotiva e struttura.
Al contempo, sono ispirata dalle emozioni umane, dalla moda, dalla musica, dal movimento e dalla cultura visiva contemporanea che va oltre i confini nazionali.
4. So che hai già partecipato a molti concorsi e mostre collettive. Questa tappa a New York è una nuova avventura che hai accettato per un motivo particolare?
New York possiede un'energia unica nel mondo dell'arte, quindi partecipare a questa mostra è molto significativo per me.
Ciò che mi ha attratto particolarmente di questo progetto è stato il dialogo internazionale tra artisti di paesi e background differenti. Mi piace far parte di esposizioni in cui l'arte diventa un linguaggio emotivo condiviso, al di là della nazionalità o dello stile. Inoltre, credo che New York sia un luogo in cui la forte identità visiva e l'individualità siano profondamente apprezzate, il che risuona molto con il mio approccio artistico.
5. Nel dipinto che sarà esposto a New York, vediamo il ritratto di una donna con molti dettagli simbolici: la rosa bianca sulla mazza da golf, il mondo, il volto con la pelle di zebra, la lacrima che cade e l'orecchino d'oro, entrambi con bordi zebrati. Ognuno ha un significato specifico o vanno intesi globalmente?
Entrambe le cose. Ogni elemento porta con sé un proprio simbolismo, ma insieme creano una narrazione emotiva più ampia sulla responsabilità, la vulnerabilità e il mondo in cui viviamo oggi.
Il motivo zebrato "fratturato" sul viso riflette la tensione tra controllo e fragilità, tra individualità e identità collettiva. La lacrima suggerisce peso emotivo ed empatia, mentre il mappamondo rappresenta il nostro mondo condiviso — qualcosa di prezioso, ma anche vulnerabile alle azioni umane.
La mazza da golf è intenzionalmente importante per il concetto dell'opera. Introduce l'idea della competizione e del "gioco" che giochiamo costantemente nella società moderna — che sia ambientale, politico o personale. Il titolo Out of the Game non suggerisce una sconfitta, ma un allontanamento consapevole dal confronto non necessario.
Per me, l'arte diventa più potente quando crea una riflessione emotiva e permette agli spettatori di scoprire il proprio significato all'interno dell'opera.
EN
Interview with artist Lana Ritter, one of the participants in the "Italy Calls the World" event.
On the occasion of the International Exhibition "Italy Calls the World," which will take place in New York from June 21st at the Fridman Gallery, we had the pleasure of interviewing Lana Ritter, one of the artists selected for this event.
1. Hi Lana, to start our conversation, can you tell us about your artistic journey, are you academically trained or self-taught?
My artistic journey has been a combination of intuition, experimentation, and continuous learning. I combine self-taught practice with academic education. Over the years, I have attended workshops by renowned artists, studied different artistic techniques, and continuously developed my artistic language through practice and research. I also study at the Barcelona Academy of Art, which gives me valuable academic insight while still allowing me to preserve my own creative freedom and personal style.
Art has always been a natural language for me — something I felt long before I fully understood it intellectually. Over time, I developed my own mixed media technique and sculptural approach to painting, focusing on texture, emotional depth, and tactile surfaces that invite viewers not only to see the artwork, but to feel it.
2. Do you work more on an internal and intuitive level when creating your artistic works, or is it a more rational process?
The process always begins intuitively. Usually, I first feel an emotion, an atmosphere, or an inner tension that wants to be expressed visually.
At the same time, there is also a conscious and structured side to my work — especially when building compositions, textures, and layers. I would say my paintings are created through a dialogue between intuition and control. One gives freedom, the other gives balance.
3. How important is the culture of your homeland, Swizerland, in the creation of your artistic works?
Switzerland influences my work through its connection to nature, balance, beauty, and a certain sense of freedom. I think these elements can be felt in the atmosphere of my artworks and in the harmony between emotional expression and structure.
At the same time, I am inspired by human emotions, fashion, music, movement, and contemporary visual culture beyond borders.
4. I know you've already participated in many competitions and group exhibitions. Is this one in New York a new adventure you accepted for any reason?
New York has a unique energy in the art world, so participating in this exhibition feels very meaningful to me.
What especially attracted me to this project was the international dialogue between artists from different countries and artistic backgrounds. I enjoy being part of exhibitions where art becomes a shared emotional language beyond nationality or style.
I also believe New York is a place where strong visual identity and individuality are truly appreciated, which resonates deeply with my artistic approach.
5. In the painting that will be exhibited in New York, we see the portrait of a woman with many symbolic details: the white rose on the golf club, the globe, the face with zebra skin, the falling tear and the gold earring, both with zebra-print edges. Do each have a specific meaning, or should they be understood globally?
Both. Each element carries its own symbolism, but together they create a larger emotional narrative about responsibility, vulnerability, and the world we live in today.
The fractured zebra-like pattern across the face reflects the tension between control and fragility, individuality and collective identity. The tear suggests emotional weight and empathy, while the globe represents our shared world — something precious, but also vulnerable to human actions.
The golf club is intentionally important to the concept of the work. It introduces the idea of competition and the "game" we constantly play in modern society — whether environmental, political, or personal. The title Out of the Game suggests not defeat, but a conscious step away from unnecessary confrontation.
For me, art becomes most powerful when it creates emotional reflection and allows viewers to discover their own meaning within the piece.