Intervista all'artista Quynh Klaus, una delle protagoniste dell'evento "Italy Calls the World".
di Francesca Callipari
In occasione della Mostra Internazionale "Italy calls the world" che si svolgerà a New York dal 21 giugno presso la Fridman Gallery, abbiamo avuto il piacere di intervistare Quynh Klaus tra gli artisti selezionati per questo evento in videoesposizione.
1. Per iniziare, racconti ai nostri lettori quando ha scoperto la sua passione e come ha capito che si trattava di un vero e proprio bisogno spirituale?
Ho scoperto la mia passione per l'arte piuttosto presto, ma per molto tempo l'ho considerata solo come una forma di espressione. Nel corso degli anni, soprattutto grazie al mio lavoro in radiologia e al mio fascino per la percezione, le neuroscienze e le frequenze, mi sono resa conto che la creatività è molto più di una semplice espressione: è uno stato di coscienza.
Nel 2019, dopo un viaggio a New Orleans per fare visita ad alcuni parenti, ho sentito la profonda ispirazione di dedicarmi all'arte astratta e all'esplorazione del colore. L'atmosfera, la musica, l'energia culturale e l'intensità emotiva di quella città hanno risvegliato in me qualcosa di profondo a livello creativo.
Da allora, la pittura è diventata molto più di un processo visivo. Attraverso la creazione artistica ho scoperto la mia sinestesia e ho iniziato a riconoscere quanto profondamente il colore, l'emozione, la percezione e gli stati interiori siano connessi all'interno del mio lavoro. Mi sono anche resa conto di entrare in stati di autoipnosi durante il processo pittorico — momenti di completa immersione in cui l'intuizione, il ritmo e la percezione subconscia guidano l'opera al di là del controllo razionale.
Questa esperienza ha trasformato la mia comprensione della creatività. L'arte è diventata non solo una forma di espressione, ma anche un modo per accedere a stati alterati di coscienza, risonanze emotive e strati più profondi di percezione.
Dipingere è diventato un modo per regolarmi, riflettere e riconnettermi con qualcosa che va oltre il linguaggio. A un certo punto ho capito che creare arte non era un'opzione per me; era essenziale. È diventata una necessità spirituale — un modo per elaborare la realtà, trasformare le emozioni in forme ed esplorare le strutture invisibili dietro l'esperienza umana.
Il mio lavoro si colloca in un punto intermedio tra arte, scienza e intuizione. Vedo l'arte come un ponte tra il misurabile e l'immisurabile, tra il corpo e la mente, tra la percezione e la risonanza interiore.
2. In questa mostra a New York, le sue opere saranno esposte in formato digitale sul grande schermo della galleria. Cosa significa per lei questa opportunità e quali emozioni sta provando?
Presentare il mio lavoro a New York attraverso una grande installazione digitale ha per me un valore profondamente simbolico. Gran parte della mia arte si muove attorno ai concetti di energia, scala, immersione e alterazione della percezione, quindi vedere le opere espandersi fino a raggiungere dimensioni architettoniche crea un dialogo completamente nuovo tra l'opera e lo spettatore.
Mi sento grata, entusiasta e, sinceramente, onorata. New York è da sempre un luogo associato alla sperimentazione artistica e all'intensità culturale. Vedere il mio lavoro diventare parte di quell'ambiente è un'esperienza tanto emozionante quanto surreale.
Allo stesso tempo, non vedo la presentazione digitale come un limite, ma come un'estensione dell'opera stessa. La luce, il movimento e le dimensioni possono amplificare le frequenze emotive all'interno dell'arte astratta. Spero che gli spettatori non si limitino a guardare le opere, ma che riescano a percepirle fisicamente.
3. Ci parli delle opere selezionate per questo evento e di cosa vorrebbe trasmettere attraverso di esse?
Le opere selezionate esplorano i temi della percezione, della coscienza, della memoria e della risonanza energetica. Il mio linguaggio visivo unisce l'astrazione a strutture stratificate che ricordano mappe emotive, reti neurali o frequenze in movimento.
Mi interessa ciò che esiste al di sotto della realtà visibile — la tensione tra caos e ordine, scienza e spiritualità, frammentazione e guarigione. Alcuni pezzi evocano immagini microscopiche o paesaggi cosmici, mentre altri riflettono stati psicologici interiori. Attraverso queste opere, spero di invitare gli spettatori verso una modalità di visione più intuitiva. Non tutto ha bisogno di essere decodificato intellettualmente. A volte l'arte funziona come una frequenza: scavalca l'interpretazione razionale e crea una risposta emotiva o corporea immediata.
Vorrei anche invitare i lettori ad ascoltare il brano musicale ispirato alla mia opera The Blue Mineral, composto da mio fratello come risposta diretta al mio lavoro attraverso la sua stessa sinestesia. Il progetto riflette un dialogo tra fratello e sorella, immagine, suono, percezione e risonanza emotiva — uno scambio di frequenze tradotte attraverso sensi diversi, slegate dallo spazio e dal tempo.
Per noi, questa collaborazione incarna l'idea che la techno non nasca solo dalle macchine o dalla tecnologia, ma dall'emozione, dalla memoria e dalla coscienza. La techno nasce dall'anima.
Techno Comes from the Soul - Link
4. Se potessi incontrare un artista del passato e osservare le sue opere, chi sceglieresti?
Mi piacerebbe incontrare un'artista donna e un artista uomo. Oltre a Zao Wou-Ki, la cui opera e il cui patrimonio culturale risuonano profondamente in me, sceglierei di incontrare Hilma af Klint.
I dipinti di Zao Wou-Ki mi hanno sempre emozionato a un livello molto istintivo. C'è qualcosa nel modo in cui ha fuso la filosofia orientale con l'astrazione occidentale che mi sembra incredibilmente familiare al mio mondo interiore. Le sue opere trasmettono silenzio, movimento e atmosfera, piuttosto che narrazione. Essendo una persona che percepisce il mondo sia in modo scientifico che artistico, mi sento profondamente legata alla sua capacità di creare spazi che trasmettono energia piuttosto che semplice descrizione.
Sono anche profondamente attratta dalla dimensione culturale presente nelle sue opere: l'equilibrio tra la tradizione calligrafica cinese, il vuoto, il gesto e la libertà emotiva dell'astrazione europea. I suoi dipinti sembrano sistemi respiratori o frequenze in movimento. Sono coinvolgenti, meditativi e di grande profondità emotiva, senza però risultare meramente illustrativi. Quella tensione tra controllo e abbandono è qualcosa che esploro continuamente nella mia pratica artistica.
Allo stesso tempo, mi piacerebbe molto osservare Hilma af Klint al lavoro, perché lei si approcciava all'arte quasi come a una forma di trasmissione.
Dipingeva strutture invisibili, sistemi spirituali e stati di coscienza molto prima che l'astrazione venisse accettata nel mondo dell'arte. Ciò che mi affascina è il suo coraggio di fidarsi dell'intuizione e della percezione interiore, pur essendo al di fuori del linguaggio artistico dominante del suo tempo. Hilma af Klint era radicalmente in anticipo sui tempi e comprendeva l'arte come una trasmissione di dimensioni invisibili molto prima che l'astrazione fosse pienamente accettata.
Ciò che mi affascina di più è il suo coraggio di fidarsi dell'intuizione e della percezione spirituale, pur essendo al di fuori delle strutture artistiche dominanti della sua epoca. Il suo lavoro sembra profondamente connesso a frequenze, coscienza e sistemi simbolici: temi che risuonano fortemente anche nella mia pratica artistica.
Credo che osservare il suo processo creativo sarebbe meno simile a guardare qualcuno dipingere e più a essere testimone di una forma di traduzione tra mondi. Incontrare entrambi gli artisti rivelerebbe due dimensioni complementari dell'astrazione: Zao Wou-Ki rappresenta la risonanza emotiva e la consapevolezza atmosferica attraverso il gesto e lo spazio, mentre Hilma af Klint rappresenta le architetture simboliche, spirituali e invisibili della realtà. Entrambi gli approcci influenzano profondamente il mio modo di pensare all'arte, non come rappresentazione, ma come linguaggio per frequenze, percezione e trasformazione.
5. Se dovessi descrivere la tua arte in tre parole, quali sceglieresti?
Trascendente. Neuroestetica. Sinestetica.
EN
Interview with artist Quynh Klaus , one of the protagonists of the event "Italy Calls the World"
On the occasion of the International Exhibition "Italy Calls the World," which will take place in New York from June 21st at the Fridman Gallery, we had the pleasure of interviewing Quynh Klaus, one of the artists selected for this video exhibition event.
1. To begin, tell our readers when you discovered your passion and how you realized it was a true spiritual need?
I discovered my passion for art quite early, but for a long time I understood it only as a form of expression. Over the years, especially through my work in radiology and my fascination with perception, neuroscience, and frequencies, I realized that creativity is far more than expression — it is a state of consciousness.
In 2019, after traveling to New Orleans and visiting relatives there, I felt deeply inspired to dedicate myself to abstract art and the exploration of color. The atmosphere, music, cultural energy, and emotional intensity of the city awakened something profound in me creatively.
Since then, painting has become far more than a visual process. Through creating art, I discovered my synesthesia and began to recognize how deeply connected color, emotion, perception, and inner states are within my work. I also became aware of entering self-hypnotic states during the painting process — moments of complete immersion where intuition, rhythm, and subconscious perception guide the work beyond rational control.
This experience transformed my understanding of creativity. Art became not only a form of expression, but also a way of accessing altered states of consciousness, emotional resonance, and deeper layers of perception.
Painting became a way to regulate, to reflect, and to reconnect with something beyond language. At a certain point, I understood that creating art was not optional for me; it was essential. It became a spiritual necessity — a way to process reality, transform emotions into form, and explore the invisible structures behind human experience.My work exists somewhere between art, science and intuition. I see art as a bridge between the measurable and the immeasurable, between the body and the mind, between perception and inner resonance.
2. In this New York exhibition, you will be displaying your works digitally on the gallery's giant screen. What does this opportunity mean to you, and what emotions are you experiencing?
Presenting my work in New York through a large digital installation feels deeply symbolic to me. Much of my art deals with energy, scale, immersion, and altered perception, so seeing the works expanded into architectural dimensions creates an entirely new dialogue between the artwork and the viewer.
I feel grateful, excited, and honestly humbled. New York has always been a place associated with artistic experimentation and cultural intensity. To have my work become part of that environment is both emotional and surreal.
At the same time, I see digital presentation not as a limitation, but as an extension of the work itself. Light, movement, and scale can amplify emotional frequencies within abstract art. I hope viewers will not only look at the pieces, but physically feel them.
At the same time, I do not see digital presentation as a limitation, but as an extension of the work itself. Light, movement, and scale can amplify emotional frequencies within abstract art. I hope viewers will not only look at the pieces, but physically feel them.
3. Tell us about the works selected for this event and what you hope to convey through them:
The selected works explore themes of perception, consciousness, memory, and energetic resonance. My visual language combines abstraction with layered structures that resemble emotional maps, neural networks, or frequencies in motion.I am interested in what exists beneath visible reality — the tension between chaos and order, science and spirituality, fragmentation and healing. Some pieces evoke microscopic imagery or cosmic landscapes, while others reflect inner psychological states.Through these works, I hope to invite viewers into a more intuitive mode of seeing. Not everything needs to be intellectually decoded. Sometimes art functions like a frequency: it bypasses rational interpretation and creates a direct emotional or bodily response.
I would also like to invite readers to listen to the music piece that has been inspired by my artwork The Blue Mineral, composed by my brother as a direct response to my artwork through his own synesthesia. The project reflects a dialogue between brother and sister, image, sound, perception, and emotional resonance — an exchange of frequencies translated across different senses, detached from space and time.
4. If you could meet an artist from the past and observe their work, who would you like to meet?
I would love to meet a female and a male artist. Besides Zao Wou-Ki, whose work and cultural heritage deeply resonate with me, I would choose to meet Hilma af Klint.
Zao Wou-Ki's paintings have always moved me on a very instinctive level. There is something in the way he merged Eastern philosophy with Western abstraction that feels incredibly familiar to my own inner landscape. His work carries silence, movement, and atmosphere rather than narrative. As someone with both scientific and artistic ways of perceiving the world, I connect strongly to his ability to create spaces that feel energetic rather than descriptive. I am also deeply drawn to the cultural dimension within his work — the balance between Chinese calligraphic tradition, emptiness, gesture, and the emotional freedom of European abstraction. His paintings feel like breathing systems or frequencies in motion. They are immersive, meditative, and emotionally vast without becoming illustrative. That tension between control and surrender is something I continuously explore in my own practice.
At the same time, I would love to observe Hilma af Klint working because she approached art almost like a form of transmission.
She painted invisible structures, spiritual systems, and states of consciousness long before abstraction became accepted in the art world. What fascinates me is her courage to trust intuition and inner perception despite existing outside the dominant artistic language of her time. Hilma af Klint. She was radically ahead of her time and understood art as a transmission of invisible dimensions long before abstraction was fully accepted.
What fascinates me most is her courage to trust intuition and spiritual perception despite existing outside the dominant art structures of her era. Her work feels deeply connected to frequencies, consciousness, and symbolic systems — themes that also resonate strongly within my own practice.I think observing her process would feel less like watching someone paint and more like witnessing a form of translation between worlds.
I believe meeting both artists would reveal two complementary dimensions of abstraction: Zao Wou-Ki representing emotional resonance and atmospheric consciousness through gesture and space, and Hilma af Klint representing symbolic, spiritual, and unseen architectures of reality. Both approaches deeply influence the way I think about art — not as representation, but as a language for frequencies, perception, and transformation.
5. If you had to describe your art in three words, which ones would you choose?
Transcendent. Neuroaesthetic. Synesthetic.