di Elisa Tommasoni

In occasione della Mostra Internazionale "Italy calls the world" che si svolgerà a New York dal 21 giugno presso la Fridman Gallery, abbiamo avuto il piacere di intervistare l'artista Eva Breitfuß, tra i protagonisti di questo importante evento.

1. Per iniziare la nostra conversazione, ti andrebbe di raccontarci il tuo percorso artistico? Hai una formazione accademica o sei autodidatta?

Il mio percorso artistico non si è sviluppato attraverso una formazione lineare tradizionale, ma piuttosto attraverso l'esperienza vissuta, l'osservazione e una continua esplorazione della coscienza, della percezione e della presenza umana. Per me, l'arte non è mai stata semplicemente una creazione di immagini: è diventata un modo per comprendere la percezione, il silenzio, la connessione umana e ciò che esiste al di sotto del linguaggio e della realtà visibile.

Sono stata profondamente influenzata da luoghi, incontri e processi interiori differenti nel corso della mia vita, in particolare dagli anni trascorsi a New York, che hanno segnato profondamente la mia percezione dello spazio, dell'energia, del ritmo e dell'interazione umana. Allo stesso tempo, le mie radici europee hanno coltivato in me una sensibilità verso il silenzio, l'introspezione e la profondità emotiva.

Un aspetto centrale del mio lavoro è "The Empty Space – Der leere Raum" (Lo Spazio Vuoto). Non intendo il vuoto come assenza, ma come un campo vivo di consapevolezza, tensione, memoria e possibilità. La maggior parte delle mie opere emerge da questo spazio: dalla quiete, dalla ripetizione e da una forma di presenza estremamente concentrata.

Da quando ho aperto il mio studio a Norimberga, in Germania, nel 2006, le mie opere sono state esposte a livello internazionale e si sono evolute in quella che io chiamo l'Art of Presence (Arte della Presenza): lavori che invitano l'osservatore non solo a guardare, ma a sperimentare.

Dipingere, per me, non significa illustrare un'idea. Significa creare un'esperienza, qualcosa che possa essere percepito prima ancora di essere compreso a livello intellettuale. I miei dipinti non cercano la rappresentazione, ma la risonanza, l'energia e la profondità emotiva.

2. Quando crei le tue opere d'arte lavori più su un livello interiore e intuitivo, o si tratta di un processo più razionale?

Il processo inizia sempre in modo intuitivo. Non mi approccio mai a un dipinto con l'intenzione di controllarlo completamente. Parto da un determinato stato interiore – a volte il silenzio, a volte la tensione, a volte una sensazione che non può ancora essere tradotta in parole. La maggior parte dei quadri emerge da una specifica atmosfera interiore, da una sensazione o da uno stato di consapevolezza.

Mentre lavoro, entro in uno stato molto concentrato, quasi meditativo. La ripetizione gioca un ruolo fondamentale nella mia pratica. I segni, le strutture, le interruzioni e le stratificazioni diventano una sorta di ritmo visivo, quasi come tracce di movimento, pensiero, memoria o energia.

Allo stesso tempo, c'è una forte consapevolezza dell'equilibrio e della composizione. Mi interessa la tensione tra ordine e dissoluzione, tra struttura e apertura. Voglio che i dipinti si percepiscano come vivi, come se fossero ancora nel processo di divenire.

Ciò che mi interessa di più non è la rappresentazione in sé, ma la risonanza: la connessione invisibile che può nascere tra l'opera d'arte e lo spettatore senza il bisogno di alcuna spiegazione.

3. Quanto è importante la cultura della tua terra d'origine (o della tua regione o città) nella creazione delle tue opere?

Credo che ogni luogo in cui viviamo lasci in noi tracce emotive ed energetiche. Crescere all'interno di un'atmosfera culturale europea ha influenzato il mio rapporto con il silenzio, la riduzione, la memoria e l'introspezione. In seguito, New York ha ampliato la mia comprensione del movimento, dell'intensità, della diversità e della coesistenza umana in un modo completamente diverso.

Il mio lavoro si colloca in un punto intermedio tra queste due esperienze: tra la quiete e la densità, tra la contemplazione e l'energia urbana.

Ma, in ultima analisi, mi interessa meno l'identità geografica rispetto agli stati umani universali. Temi come la presenza, la frammentazione, la connessione, l'isolamento e la comunicazione al di là del linguaggio appartengono a tutti noi. Voglio che l'opera rimanga abbastanza aperta da permettere a osservatori di culture diverse di entrarvi attraverso la propria esperienza emotiva e percettiva.

4. So che hai già partecipato a molti concorsi e mostre collettive. Questo appuntamento a New York è una nuova avventura che hai accettato per qualche motivo particolare?

Non descriverei l'arte in termini di competizione. Per me l'arte è dialogo, percezione e incontro, piuttosto che confronto.

New York ha un significato molto personale per me perché ci ho vissuto per diversi anni, e quel periodo mi influenza profondamente ancora oggi. La città mi ha formata sia artisticamente che personalmente. Ho già esposto i miei lavori lì in passato, ma tornare a New York trasmette sempre un senso di profondo significato, per via dell'intensità e dell'apertura che questa città porta con sé. A livello personale, tornarci è sempre qualcosa di familiare ed emotivamente importante.

Ciò che mi attrae di questa mostra non è solo l'opportunità di esporre il mio lavoro a livello internazionale, ma il contesto stesso: l'idea di unire voci artistiche e prospettive culturali differenti all'interno di uno stesso spazio condiviso. New York è una città in cui contraddizioni, energie e realtà coesistono simultaneamente, e io mi sento vicina a questa complessità. Per molti versi, anche il mio lavoro si muove in questi spazi intermedi: tra silenzio e comunicazione, tra ordine e frammentazione, tra intimità e distanza.

5. Puoi raccontarci qualcosa delle tre opere che esporrai a New York? Vanno lette come un trittico o come lavori individuali?

Le tre opere – "NO WORDS" (Senza Parole), "BEYOND COMMUNICATION" (Oltre la Comunicazione) e "IN BETWEEN" (In Mezzo) – possono esistere sia come dipinti singoli sia come un unico corpo di lavoro connesso.

Insieme, esplorano le strutture invisibili della comunicazione e della presenza umana, in particolare quegli spazi che emergono quando il linguaggio diventa insufficiente. Mi interessa ciò che resta oltre le parole: il ritmo, la tensione, la memoria, l'energia, il silenzio e la percezione.

I segni ripetitivi all'interno delle opere funzionano quasi come frammenti di un linguaggio in codice. Suggeriscono una comunicazione, ma resistono a un'interpretazione fissa. Lascio intenzionalmente spazio all'ambiguità perché voglio che lo spettatore entri nell'opera in modo intuitivo e non analitico.

"NO WORDS" è il pezzo più ridotto e silenzioso dei tre. Affronta l'impossibilità di articolare appieno l'esperienza interiore. Gli spazi tra le forme diventano importanti tanto quanto le forme stesse.

"BEYOND COMMUNICATION" si apre verso un campo visivo più fluido e immersivo, dove la connessione non dipende più dal linguaggio, ma dalla consapevolezza, dalla presenza e dalla risonanza energetica.

"IN BETWEEN" abita la fragile soglia tra vicinanza e distanza, tra chiarezza e incertezza, tra il sé e l'altro. Le interruzioni più scure all'interno della composizione introducono momenti di instabilità e trasformazione.

Viste insieme, le opere possono essere intese come un movimento attraverso diversi stati di percezione e coscienza. Ma voglio anche che ogni dipinto mantenga la propria autonomia, rimanendo abbastanza aperto da permettere a visitatori e collezionisti di sviluppare nel tempo un proprio rapporto personale con l'opera.

EN

Language Beyond Words: Eva Breitfuß and the Art of Presence

On the occasion of the International Exhibition "Italy Calls the World," which will take place in New York from June 21st at the Fridman Gallery, we had the pleasure of interviewing artist Eva Breitfuß, one of the protagonists of this important event.

1. To start our conversation, can you tell us about your artistic journey, are you academically trained or self-taught?

My artistic journey developed less through a traditional linear education and more through lived experience, observation, and an ongoing exploration of consciousness, perception, and human presence. Art, for me, was never simply about creating images — it became a way of understanding perception, silence, human connection, and what exists underneath language and visible reality.

I was deeply influenced by different places, encounters, and inner processes throughout my life — especially by the years I lived in New York, which profoundly shaped my perception of space, energy, rhythm, and human interaction. At the same time, my European background cultivated a sensitivity toward silence, introspection, and emotional depth.

A central aspect of my work is The Empty Space — Der leere Raum**. I do not see emptiness as absence, but as a living field of awareness, tension, memory, and possibility. Most of my works emerge from this space: from stillness, repetition, and a very concentrated form of presence.

Since opening my studio in Nuremberg, Germany in 2006, my work has been exhibited internationally and has evolved into what I call the Art of Presence* — works that invite the viewer not only to look, but to experience.

Painting, for me, is not about illustrating an idea. It is about creating an experience — something that can be felt before it is intellectually understood. My paintings are less about representation and more about resonance, energy, and emotional depth.

2. Do you work more on an internal and intuitive level when creating your artistic works, or is it a more rational process?

The process always begins intuitively. I never approach a painting with the intention of controlling it completely. I start from a certain internal state — sometimes silence, sometimes tension, sometimes a feeling that cannot yet be translated into words. Most paintings emerge from a certain internal atmosphere, from a sensation or state of awareness.

While working, I enter a very focused and almost meditative state. Repetition plays an important role in my practice. The marks, structures, interruptions, and layers become a kind of visual rhythm — almost like traces of movement, thought, memory, or energy.

At the same time, there is a strong awareness of balance and composition. I am interested in the tension between order and dissolution, structure and openness. I want the paintings to feel alive — as if they are still in the process of becoming.

What interests me most is not representation itself, but resonance: the invisible connection that can emerge between the artwork and the viewer without needing explanation.

3. How important is the culture of your homeland (or region, or city) in the creation of your artistic works?

I think every place we live in leaves emotional and energetic traces within us. Growing up within a European cultural atmosphere influenced my relationship to silence, reduction, memory, and introspection. Later, New York expanded my understanding of movement, intensity, diversity, and human coexistence in a completely different way.

My work exists somewhere between these two experiences: between stillness and density, contemplation and urban energy.

But ultimately, I am less interested in geographical identity than in universal human states. Themes such as presence, fragmentation, connection, isolation, and communication beyond language belong to all of us. I want the work to remain open enough that viewers from different cultures can enter it through their own emotional and perceptual experience.

4. I know you've already participated in many competitions and group exhibitions. Is this one in New York a new adventure you accepted for any reason?

I would not describe art in terms of competition. For me, art is about dialogue, perception, and encounter rather than comparison.

New York has a very personal significance for me because I lived there for several years, and this period still influences me deeply today. The city shaped me both artistically and personally. I have exhibited my work there before, but returning to New York always feels meaningful because of the intensity and openness the city carries. Personally, returning there always feels familiar and emotionally significant.

What attracts me to this exhibition is not only the opportunity to show the work internationally, but also the context itself — the idea of bringing together different artistic voices and cultural perspectives within one shared space.

New York is a city where contradictions, energies, and realities coexist simultaneously, and I feel connected to that complexity. In many ways, my work also moves within these in-between spaces: between silence and communication, order and fragmentation, intimacy and distance.

5. Can you tell us something about the three art works you'll be exhibiting in New York? Should they be read as a triptych or as individual works?

The three works — NO WORDS, BEYOND COMMUNICATION, and IN BETWEEN — can exist both as individual paintings and as one connected body of work.

Together, they explore the invisible structures of human communication and presence — especially the spaces that emerge when language becomes insufficient. I am interested in what remains beyond words: rhythm, tension, memory, energy, silence, and perception.

The repetitive marks within the works function almost like fragments of a coded language. They suggest communication, but they resist fixed interpretation. I intentionally leave space for ambiguity because I want the viewer to enter the work intuitively rather than analytically.

NO WORDS is the most reduced and silent piece of the three. It deals with the impossibility of fully articulating inner experience. The spaces between the forms become as important as the forms themselves.

BEYOND COMMUNICATION opens into a more fluid and immersive visual field where connection no longer depends on language, but on awareness, presence, and energetic resonance.

IN BETWEEN inhabits the fragile threshold between closeness and distance, clarity and uncertainty, self and other. The darker interruptions within the composition introduce moments of instability and transformation.

Seen together, the works can be understood as a movement through different states of perception and consciousness. But I also want each painting to remain autonomous — open enough for viewers and collectors to develop their own personal relationship with the work over time.

Vi invitiamo a seguire l'artista sui social e attraverso il suo sito web.