di Ilaria Rippa

In occasione della Mostra Internazionale "Italy calls the world" che si svolgerà a New York dal 21 giugno presso la Fridman Gallery, abbiamo avuto il piacere di intervistare Dorota WB, tra gli artisti selezionati per questo evento.

1. Dorota, "Internal Structures" è un'opera che verrà presentata durante la tua partecipazione alla mostra collettiva "Italy calls the World" a New York. Si tratta di un trittico astratto composto da tre tele. Come è nata quest'opera? I singoli pannelli costituiscono un'entità separata o sono interconnessi e acquistano significato solo se visti nel loro insieme?

La serie "Internal Structures" (2023-2025), che comprende i dipinti "Frammenti di luce", "Transizione" e "Sfera di immensità", è stata ispirata dagli interni di una galleria di Poznań, dove sono stata invitata a curare una mostra personale. Ho trascorso del tempo in quegli spazi storici con ampie vetrate, installando opere e organizzando un evento artistico. Durante questo periodo, ho osservato gli effetti della luce sui dipinti e sugli interni stessi, che sono diventati lo spunto per la creazione delle opere successive. Un punto di partenza fondamentale è stata la fotografia, che mi ha permesso di catturare gli effetti fugaci e intriganti della luce naturale sullo spazio, sugli oggetti, sul vetro e sulle superfici espositive. Le immagini catturate sono diventate la base per il lavoro successivo: sono state elaborate e sviluppate in composizioni pittoriche astratte. Questo processo è stato sperimentale e ha comportato la combinazione di diversi mezzi espressivi. Ogni frammento è stato sviluppato in modo pittorico dall'inizio alla fine. 

I singoli pannelli possono funzionare come immagini a sé stanti, ma solo quando vengono assemblati creano una narrazione completa: si completano a vicenda e costruiscono uno spazio visivo multidimensionale e coeso.

2. Hai affermato che quest'opera è nata dal bisogno di immortalare un luogo a te caro. Cosa ispira solitamente le tue creazioni? Rappresentare luoghi a te vicini è un bisogno ricorrente?

Le ispirazioni per il mio lavoro non si limitano a luoghi specifici, sebbene lo spazio – soprattutto se intriso di storia – giochi un ruolo significativo. Mi interessano anche contesti legati al passato, all'architettura, alla cultura e persino alla sociologia. I luoghi a me vicini ritornano spesso come punto di partenza, ma l'obiettivo non è rappresentarli letteralmente. Mi interessa di più la loro atmosfera, la testimonianza di esperienze ed emozioni, che poi trasformo in forma astratta. È piuttosto un tentativo di catturare l'invisibile: relazioni, tensioni, presenze.

3. Il processo creativo di quest'opera trae origine dalla fotografia: vorresti parlarci dello sviluppo del progetto e della sua evoluzione?

La fotografia è per me una forma di espressione distinta e molto importante. Mi permette di congelare l'attimo e di osservare più da vicino la realtà. Spesso scelgo luoghi apparentemente neutri, che nella mia percezione acquisiscono un nuovo significato. Nel caso di questa serie, il processo è stato piuttosto singolare: sono tornato ripetutamente nello stesso luogo, confrontandomi con la sua variabilità e la sua luce. È da queste esperienze che è nato il concetto dell'intero progetto. Le fotografie risultanti non sono un fine a se stesse, ma un punto di partenza per la creazione di nuove strutture visive. Il risultato è una trasformazione: da un'immagine reale alla sua forma soggettiva ed elaborata. Si tratta più di una reinterpretazione che di una documentazione. 

4. Potresti definire "creare arte" come un bisogno?

Percepisco il fare arte come un bisogno profondo e interiore, sia biologico che psicologico. Non è semplicemente un processo estetico, ma una forma di espressione che mi permette di organizzare la realtà, elaborare le emozioni e costruire la mia identità. È anche un modo per dare forma a esperienze e idee, alla ricerca di armonia e significato. La mia sensibilità e il mio modo di percepire il mondo sono impressi nelle mie opere: sono una traccia personale di presenza e un tentativo di catturare ciò che spesso sfugge alla percezione diretta.

5. Cosa rappresenta New York per la tua carriera?

Considero la partecipazione alla mostra di New York un momento importante del mio percorso artistico. Questa città è da tempo uno dei centri più importanti dell'arte contemporanea, un luogo d'incontro per diverse culture, prospettive e linguaggi visivi. Per me, questa non è solo un'opportunità per presentare il mio lavoro a un pubblico più ampio, ma anche un'occasione per confrontarmi con un contesto internazionale e con nuovi pubblici. La considero un ulteriore passo nel mio percorso creativo, che mi apre a nuove esperienze e dialoghi.

Interview with artist Dorota WB, one of the participants in the "Italy Calls the World" event.

On the occasion of the International Exhibition "Italy Calls the World," which will take place in New York from June 21st at the Fridman Gallery, we had the pleasure of interviewing Dorota WB, one of the artists selected for this event.

1. Dorota, "Internal Structures" is the work that will be exhibited during your participation in the group exhibition "Italy Calls the World!" in New York. It is an abstract triptych composed of three canvases. How did this work come about? Do the individual panels stand on their own, or are they interconnected and only make sense when viewed as a whole?

The "Internal Structures" (2023–2025) series, including the triptych "From Fragments of Light", "Transition", and "Sphere of Vastness".

It was inspired by the interior of a gallery in Poznań, where I was invited to create a solo exhibition. I spent time there in the historic spaces with large windows, installing works and organizing an artistic event. During this time, I observed the effects of light on the paintings and the interior itself, which became the impetus for creating further works.

A key starting point was photography, which allowed me to capture the fleeting and intriguing effects of natural light on space, objects, glass, and exhibition surfaces. The captured images became the basis for further work – they were processed and developed into abstract painterly compositions. This process was experimental and involved combining various means of expression. Each fragment was developed in a painterly manner from start to finish.

Individual panels can function as standalone images, but only when put together do they create a complete narrative – they complement each other and build a multidimensional, cohesive visual space.

2. What inspires you? Are places important in your work?

My artistic interests and inspirations are not limited solely to specific places, although space—especially one marked by history—plays an important role. I am also drawn to themes connected with the past, architecture, culture, and even sociology within a certain temporal context.

Places that are meaningful to me often serve as a starting point, but I am not interested in their literal representation. What matters more is their atmosphere, the record of experience and emotion, which I later transform into abstract form. It is an attempt to capture what is not immediately visible—relationships, tensions, and presence.

3. The process of creating this work stems from photography: would you like to talk about the development of the project and its evolution?

Photography is for me another important form of expression. It allows me to pause and look more attentively at reality. I am often drawn to places that might seem neutral or overlooked, yet gain new meaning through my perception.

In this particular cycle, the process was quite unique—I returned to the same place multiple times, confronting its changing conditions and light. It was through these encounters that the concept of the project emerged.

The photographs themselves are not the final outcome but rather a point of departure for constructing new visual forms. What follows is a transformation—from a real image to its subjective, reinterpreted structure. It is less about documentation and more about redefinition.

4. Could you define "making art" as a need?

I perceive the act of creating art as a deep internal necessity—both biological and psychological. It is not merely the production of aesthetic objects, but a form of expression that allows me to process reality, work through emotions, and build my identity.

It is also a way of giving form to ideas and experiences, of searching for harmony and meaning. My sensitivity and perception of the world are inscribed in these works—they become a personal trace of presence and an attempt to grasp what often escapes direct perception.

5. What does New York represent for your career?

Participating in an exhibition in New York represents an important moment in my artistic development. The city has long been one of the key centers of contemporary art—a place where different cultures, perspectives, and visual languages intersect.

For me, it is not only an opportunity to present my work to a wider audience, but also a chance to confront it within an international context and engage with new viewers. I see it as another step in shaping my artistic path, as well as an opening toward new experiences and dialogue.

Grazie! Vi invitiamo a seguire l'artista in questo prossimo evento a New York e attraverso il suo sito web.

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