di La Redazione

In occasione della sua partecipazione agli eventi "Art Evolution" a Roma dal 13 giugno presso Medina Art Gallery ed "Essence" a Milano dal 23 giugno presso iKonica Art Gallery, l'artista polacca DorotaWB, nata Dorota Wujewska-Bartoszewicz, si racconta in questa intervista, permettendoci di conoscerla più in profondità. 

1. Benvenuta Dorota in questo spazio dedicato agli artisti contemporanei, siamo molto felici di presentarti ai nostri lettori. Le tue opere nascono da un equilibrio raffinato tra tecniche diverse e visioni interiori. Come riesci a far dialogare fotografia, pittura e disegno digitale in una narrazione coerente?

Grazie per avermi invitato in questo spazio: è un onore per me poter condividere il mio lavoro con voi. Le mie opere nascono dall'esigenza di un dialogo interiore e sono il risultato di una selezione consapevole di mezzi espressivi, come la fotografia, il disegno, la pittura e la computer grafica. La loro combinazione non è solo un procedimento formale, ma un modo per costruire una narrazione e trasmettere messaggi nascosti. Fotografo, disegno, dipingo ed elaboro digitalmente le immagini, il tutto per estrarre ciò che è invisibile. Un disegno presenta spesso volti, architetture, luoghi, forme astratte: sono elementi che in seguito elaboro e combino in un nuovo insieme. Le composizioni contengono mondi astratti, frammenti di spazio, ritratti dalla forma sofisticata e meditata. Raccontano storie che hanno origine dalle mie esperienze, emozioni e osservazioni. La scelta delle tecniche è importante, ma non è fine a se stessa. La tecnica, sebbene possa conferire all'immagine profondità, plasticità e suggestione, è sempre subordinata al messaggio. La cosa più importante per me è il contesto di creazione dell'opera e il suo significato interiore. Questi elementi mi guidano attraverso il processo creativo, che considero come un percorso, come fasi di ricerca e scoperta di me stessa.

2. La spiritualità, la natura e l'introspezione sono temi ricorrenti nella tua ricerca. In che modo questi elementi influenzano la tua visione artistica e il messaggio che desideri trasmettere?

Spiritualità, natura e introspezione sono in effetti i pilastri del mio lavoro. Le mie opere sono una testimonianza di esperienze personali, riflessioni su me stessa e sul mondo, un tentativo di catturare la seconda dimensione della realtà: ciò che è invisibile ma tangibile. In esse, desidero esprimere un senso di unità con l'ambiente: con il luogo, la natura, le persone. Per me, è una forma di ricerca di armonia, che dà consapevolezza della propria esistenza e del proprio significato in un contesto più ampio. La mia arte presenta spesso motivi di alienazione, desiderio di libertà, bisogno di comprendere se stessi. È una sorta di viaggio attraverso i lati luminosi e oscuri della natura umana. Da un lato, è positivo: apertura al mondo, alla vita, all'altra persona; dall'altro, lotta contro la paura, il senso di limitazione, le proiezioni di fallimenti che bloccano lo sviluppo. Credo che maggiore sia la nostra consapevolezza, maggiore sia la nostra capacità di influenzare il mondo, invece di soccombere alla sua pressione. Per me, la natura è sia un'ispirazione che uno spazio di rinnovamento spirituale. La sua perfezione originaria – luce, ritmo, struttura – diventa spesso un soggetto a sé stante, ma altrettanto spesso innesca in me un processo creativo. La comunione con la natura mi permette di ritrovare il potere della creazione: è come una fonte a cui torno per ritrovare me stesso. Vorrei che le mie opere offrissero agli spettatori uno spazio di riflessione – su se stessi, sul loro rapporto con il mondo, su cosa siano la felicità, la libertà, la presenza. Perché anche se qualcuno ti blocca la luce, puoi imparare a vederla di nuovo, in te stesso.

3. I tuoi lavori sembrano sospesi tra sogno e realtà, visione e memoria. Che ruolo ha per te l'immaginazione nella costruzione dei tuoi "universi visivi emozionali"?

L'immaginazione è più di uno strumento per me: è lo spazio dove tutto ha inizio. Le mie opere oscillano davvero tra sogno e realtà, perché è lì, al confine tra questi due mondi, che nascono le immagini più sincere. Questa è la zona dell'intuizione, dei ricordi, delle visioni, registrate nel profondo del subconscio e delle emozioni. Quando creo, non cerco di riprodurre fedelmente la realtà, ma piuttosto la trasformo, le attribuisco nuovi significati. L'immaginazione mi permette di trasferire emozioni, sentimenti, stati d'animo in immagini che non devono essere letterali, ma vere nella loro espressione. È grazie ad essa che nascono i miei "universi visivi emozionali": composizioni che possono essere astratte, ma che portano sempre una carica personale. Per me, l'immaginazione è anche una forma di libertà. Grazie ad essa, posso oltrepassare i confini della vita quotidiana, combinare ciò che è reale con ciò che è fugace e inespresso. Le mie visioni a volte si costruiscono su frammenti di memoria, a volte su sogni o dialoghi interiori che intrattengo con me stesso. In questo modo si creano immagini che sono come mappe interne, a volte intime, a volte simboliche, ma sempre autentiche.

4. La tua arte invita lo spettatore a una partecipazione attiva, quasi a diventare co-creatore del significato. Come vivi il rapporto con il pubblico? Ti sorprende mai ciò che le persone vedono o sentono nelle tue opere?

Il rapporto con lo spettatore è per me estremamente importante e al tempo stesso imprevedibile. Nel momento in cui l'opera lascia il mio studio, cessa di essere solo "mia". Raggiunge una sensibilità diversa, un mondo diverso di emozioni ed esperienze. Ed è questo che affascina di questo processo: il dipinto inizia a vivere di vita propria, risvegliando nello spettatore qualcosa che io stesso non avevo previsto. Sono spesso sorpreso da ciò che le persone vedono o provano quando guardano le mie opere. Le loro interpretazioni possono essere molto diverse: a volte toccano temi profondamente personali, a volte rivelano significati completamente nuovi che prima mi erano inconsci. Questo dimostra che l'arte non è una forma chiusa, ma un campo aperto di dialogo. Apprezzo molto questo momento in cui lo spettatore diventa co-creatore, quando guarda e inizia a trovare una parte di sé nella mia opera. Questo dà senso all'intero processo. Non creo per dare risposte chiare, ma piuttosto per porre domande, provocare riflessione, a volte persino ansia. Se la mia opera innesca un processo interiore in qualcuno, significa che ho raggiunto il mio obiettivo.

5. Guardando al futuro, tra evoluzione tecnologica e nuove frontiere artistiche, qual è la sfida più stimolante che vorresti affrontare nella tua ricerca?

Guardando al futuro, sono particolarmente entusiasta della possibilità di immergermi ancora più a fondo nello spazio che unisce arte e tecnologia. Non per seguire le tendenze, ma per scoprire nuove forme di espressione, modi che mi permetteranno di raccontare con ancora più precisione ciò che sento e osservo. Sono interessato a esplorare il confine tra immagine statica e movimento, tra arte contemplativa ed esperienza immersiva. Forse sarà un'animazione, forse una combinazione di grafica e suono o un'installazione interattiva, qualcosa che permetterà allo spettatore di entrare nell'intimo dell'immagine, non solo di guardarla. La tecnologia offre infinite possibilità oggi, ma la chiave è mantenere l'autenticità. Non voglio che gli strumenti dominino il messaggio: dovrebbero solo supportarlo. Rimango fedele al mio bisogno di raccontare storie attraverso emozioni, spiritualità ed esperienza. In sostanza, la mia sfida e il mio sogno più grande rimangono gli stessi: creare in modo sempre più consapevole, aperto e autentico, e condividerlo con gli altri in forme che devono ancora venire.

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Dorota WB talks about herself on the occasion of the International Exhibitions "Art Evolution" and "Essence"

On the occasion of her participation in the events "Art Evolution" in Rome from June 13th at Medina Art Gallery and "Essence" in Milan from June 23rd at iKonica Art Gallery, the Polish artist DorotaWB, born Dorota Wujewska-Bartoszewicz, talks about herself in this interview, allowing us to get to know her more deeply.

1. Welcome Dorota to this space dedicated to contemporary artists, we are very happy to introduce you to our readers. Your works arise from a refined balance between different techniques and inner visions. How do you manage to make photography, painting, and digital drawing interact in a coherent narrative?

Thank you for inviting me to this space – it is an honor for me to be able to share my work with you. My works arise from the need for internal dialogue and are the result of a conscious selection of means of expression, such as photography, drawing, painting and computer graphics. Their combination is not just a formal procedure – it is a way of building a narrative and transmitting hidden messages. I photograph, draw, paint and process images digitally – all in order to extract what is invisible. A drawing often presents faces, architecture, places, abstract forms – these are elements that I later process and combine into a new whole. Compositions contain abstract worlds, fragments of space, portraits with a sophisticated, thoughtful form. They tell stories that have their source in my experiences, emotions and observations. The choice of techniques is important, but it is not an end in itself. The technique – although it can give the image depth, plasticity and suggestiveness – is always subordinated to the message. The most important thing for me is the context of the creation of the work and its internal meaning. They guide me through the creative process, which I treat as a path – as stages of searching and discovering myself.

2. Spirituality, nature, and introspection are recurring themes in your work. How do these elements influence your artistic vision and the message you wish to convey?

Spirituality, nature and introspection are indeed the pillars of my work. My works are a record of personal experiences, reflections on myself and the world, an attempt to capture the second dimension of reality – that which is invisible but tangible. In them, I want to express a sense of unity with the environment – ​​with the place, nature, people. For me, it is a form of searching for harmony, which gives awareness of one's own existence and meaning in a broader context. My art often features motifs of alienation, longing for freedom, the need to understand oneself. It is a kind of journey through the bright and dark sides of human nature. On the one hand, it is good – openness to the world, to life, to another person; on the other – struggling with fear, a sense of limitation, projections of failures that block development. I believe that the greater our awareness, the greater our ability to influence the world, instead of succumbing to its pressure. For me, nature is both an inspiration and a space for spiritual reset. Its original perfection – light, rhythm, structure – often becomes a subject in itself, but just as often it triggers a creative process in me. Communion with nature allows me to regain the power of creation – it is like a source to which I return to find myself again. I would like my works to give viewers a space for reflection – on themselves, on their relationship with the world, on what happiness, freedom, presence are. Because even if someone blocks your light – you can learn to see it anew, in yourself.

3. Your works seem suspended between dream and reality, vision and memory. What role does imagination play for you in building your 'emotional visual universes'?

Imagination is more than a tool for me – it is the space where everything begins. My works truly oscillate between dream and reality, because it is there, on the border of these two worlds, that the most sincere images are born. This is the zone of intuition, memories, visions – recorded deep in the subconscious and emotions. When I create, I do not try to faithfully reproduce reality – rather I transform it, give it new meanings. Imagination allows me to transfer emotions, feelings, states of mind into images that do not have to be literal, but are true in their expression. It is thanks to it that my "emotional visual universes" are created – compositions that can be abstract, but always carry a personal charge. For me, imagination is also a form of freedom. Thanks to it, I can cross the boundaries of everyday life, combine what is real with what is fleeting and unspoken. My visions are sometimes built on shreds of memory, sometimes on dreams or internal dialogues that I have with myself. In this way, images are created that are like internal maps – sometimes intimate, sometimes symbolic, but always authentic.

4. Your art invites the viewer to actively participate, almost becoming a co-creator of meaning. How do you experience your relationship with the audience? Are you ever surprised by what people see or feel in your works?

The relationship with the viewer is something extremely important to me – and at the same time unpredictable. The moment the work leaves my studio, it ceases to be just "mine". It reaches a different sensitivity, a different world of emotions and experiences. And this is what is fascinating about this process – that the painting begins to live its own life, awakening something in the viewer that I myself did not foresee. I am often surprised by what people see or feel when looking at my works. Their interpretations can be very different – ​​sometimes they touch on deeply personal threads, sometimes they reveal completely new meanings that were previously unconscious to me. This shows that art is not a closed form – it is an open field of dialogue. I really appreciate this moment when the viewer becomes a co-creator – when they look and start to find a part of themselves in my work. This makes the whole process make sense. I do not create to give clear answers – rather to ask questions, provoke reflection, sometimes even anxiety. If my work triggers some internal process in someone, it means I have succeeded.

5. Looking to the future, amid technological evolution and new artistic frontiers, what is the most exciting challenge you would like to tackle in your research?

Looking to the future, I am most excited about the possibility of diving even deeper into the space that combines art and technology. Not to follow trends, but to discover new forms of expression – ways that will allow me to tell even more precisely what I feel and observe. I am interested in exploring the border between static image and movement, between contemplative art and immersive experience. Maybe it will be animation, maybe a combination of graphics with sound or an interactive installation – something that will allow the viewer to enter the interior of the image, not just watch it. Technology offers endless possibilities today, but the key is to maintain authenticity. I do not want tools to dominate the message – they should only support it. I remain faithful to my need to tell stories through emotions, spirituality and experience. In essence, my greatest challenge and dream remains the same: to create in an increasingly conscious, open and true way – and to share it with others in forms that are yet to come.