di Francesca Callipari

Intervista all'artista Eli Mars Sculptor© (Bertrand Marcelly) in occasione della sua partecipazione alla Fiera Internazionale d'Arte Contemporanea "Art Shopping" presso Le Salles du Carrousel du Louvre a Parigi (Stand B47)

1. Bentornato su ILoveItaly News. Cosa significa per te portare la tua visione artistica al Carrousel du Louvre, uno dei cuori pulsanti del mondo dell'arte a livello globale?

Presentare il mio lavoro al Carrousel du Louvre ha un grande valore per me, perché Parigi raduna un pubblico estremamente variegato: artisti, collezionisti, professionisti e visitatori provenienti da contesti culturali differenti.

Per me, un'opera d'arte dovrebbe essere in grado di entrare in dialogo con questa diversità senza richiedere un'unica interpretazione predeterminata.

Le opere che presento a Parigi affrontano i temi della percezione, dei sistemi di riferimento e del modo in cui segni familiari o strutture geometriche possono trasformarsi quando li osserviamo da una prospettiva diversa.

Questo è un aspetto per me fondamentale, poiché non considero la scultura semplicemente come la produzione di un oggetto. La vedo piuttosto come una situazione in cui lo spettatore diventa parte integrante dell'esperienza. La scultura è il mezzo; il vero oggetto è l'esperienza.

2. La tua pratica artistica si distingue per un uso audace dell'iconografia pop, dei segni grafici e per composizioni geometriche essenziali. Qual è il fulcro concettuale delle opere presentate in questa mostra, come ad esempio la scultura "NO WAY?"? 

Al centro delle opere che presento a Parigi c'è una questione di percezione: cosa accade quando un sistema di riferimento visivo a noi familiare viene sfalsato e smette di funzionare esattamente come ci aspettiamo?

Mi interessano i segni perché fanno parte di un linguaggio visivo collettivo. Li riconosciamo quasi all'istante, spesso prima ancora di analizzarli consapevolmente.

In NO WAY? II, utilizzo deliberatamente i codici visivi della segnaletica stradale perché di norma forniscono informazioni chiare: direzione, divieto, orientamento, certezza.

Qui, però, il segnale viene decontestualizzato. La sua funzione abituale diventa incerta. Le parole, la geometria e l'orientamento non comunicano più nel modo previsto.

È proprio qui che inizia il quesito concettuale. Non sto cercando di creare un nuovo segnale o di trasformarne uno esistente sul piano meramente estetico. Mi interessa ciò che accade quando un sistema di riferimento familiare viene perturbato e lo spettatore si trova costretto a riconsiderarne il significato.

L'opera mette quindi in discussione il rapporto tra segno, percezione e interpretazione.

3. In "HAPPY WORLD? Butterfly IIa2", la composizione armonizza trame a griglia strutturate e un movimento dinamico, con un titolo che mette in discussione l'ottimismo stesso. Che ruolo gioca il contrasto tra la rigida geometria e questo interrogativo giocoso ed esistenziale nella tua filosofia artistica più ampia? 

Per me, la geometria e l'interrogarsi non sono concetti opposti. La geometria mi fornisce una struttura attraverso la quale un interrogativo può diventare percepibile.

In HAPPY WORLD? - Butterfly IIa2, la farfalla emerge da una trasformazione geometrica. Introduce movimento, leggerezza e un senso di possibilità, ma il punto interrogativo nel titolo rimane fondamentale.

Non voglio dire allo spettatore se questo mondo sia effettivamente "felice". L'immagine familiare della farfalla può suggerire ottimismo, trasformazione o libertà, ma il punto interrogativo mantiene aperta l'interpretazione.

Per me, questa tensione tra struttura e interrogazione non è specifica di quest'opera. Riflette un principio più ampio della mia pratica: la geometria fornisce una struttura precisa, ma non è mai la risposta definitiva. Crea le condizioni in cui la percezione può farsi attiva, incerta e aperta a nuove possibilità.

Questo fa parte del mio approccio: spesso parto da una forma o da un linguaggio visivo riconoscibile, per poi introdurre uno spostamento che inviti lo spettatore a guardare di nuovo.

Un'apparente semplicità può quindi trasformarsi nell'invito a riconsiderare ciò che pensiamo di conoscere già.

4. In un'epoca satura di rumore visivo, il tuo lavoro riprende forme e segni semplici per sollecitare una riflessione più profonda sulla vita moderna. Cosa speri che i visitatori al Louvre colgano quando si fermeranno davanti alle tue opere?

Non voglio necessariamente che i visitatori colgano un messaggio specifico. Preferisco che accada qualcosa alla loro percezione.

Viviamo circondati da segni, immagini e informazioni che elaboriamo a una velocità estrema. Il mio lavoro prende talvolta un elemento visivo familiare e ne altera le relazioni, l'orientamento o il contesto.

Lo spettatore potrebbe inizialmente riconoscere qualcosa, per poi rendersi conto che non funziona esattamente come previsto.

È quel momento che mi interessa. Si crea un piccolo intervallo tra il riconoscimento e l'interpretazione, in cui lo spettatore diventa più attento a ciò che sta effettivamente osservando.

Non cerco di fornire una risposta. Cerco di costruire le condizioni affinché possa emergere una domanda.

Se lo spettatore se ne va con la sensazione di aver guardato qualcosa di familiare in modo diverso, allora l'opera ha raggiunto un obiettivo essenziale.

5. Quali nuovi orizzonti o direzioni sperimentali è desideroso di esplorare in futuro?

La mia ricerca si sta orientando verso relazioni sempre più complesse tra materia, geometria, luce, spazio e percezione.

Continuerò a esplorare la scultura, ma anche edizioni grafiche e materiali, poiché questi diversi formati permettono alla medesima ricerca di svilupparsi in modi differenti.

Ciò che mi interessa non è riprodurre uno stile, ma costruire nuove situazioni percettive: attraverso il riflesso, la trasparenza, lo spostamento, la trasformazione o la mutevole relazione tra l'opera e l'ambiente che la circonda.

Il mio percorso si è evoluto attraverso gli interrogativi piuttosto che attraverso uno stile predeterminato, e desidero che questa evoluzione continui. Quindi il prossimo orizzonte non è uno stile nuovo. È una nuova domanda.

EN

Deconstructing Signs and Questioning Reality: Eli Mars Sculptor© at the Carrousel du Louvre

Interview with the artist Eli Mars Sculptor© (Bertrand Marcelly) on the occasion of his participation in the "Art Shopping" International Contemporary Art Fair at the Carrousel du Louvre in Paris (Stand B47).

1. Welcome back to ILoveItaly News. What does it mean to you to bring your artistic vision to the Carrousel du Louvre, one of the beating hearts of the global art world?

Presenting my work at the Carrousel du Louvre is meaningful because Paris brings together a very diverse public: artists, collectors, professionals and visitors from different cultural backgrounds.

For me, an artwork should be able to enter into a dialogue with this diversity without requiring a single predetermined interpretation.

The works I am presenting in Paris are concerned with perception, reference systems and the way familiar signs or geometric structures can change when we look at them from another position.

This is particularly important to me because I do not consider sculpture simply as the production of an object. I see it as a situation in which the viewer becomes part of the experience.

The sculpture is the medium; the true object is the experience.

2. Your artistic practice is distinguished by a bold use of pop iconography, graphic signs, and clean geometric compositions. What is the conceptual core of the works presented in this exhibition, such as your sculpture "NO WAY?"?

At the core of the works I am presenting in Paris is a question of perception: what happens when a familiar visual reference system is displaced and no longer functions exactly as expected?

I am interested in signs because they are part of a collective visual language. We recognise them almost immediately, often before we consciously analyse them.

In NO WAY? II, I deliberately use the visual codes of road signage because they normally provide clear information: direction, prohibition, orientation, certainty.

But here, the sign is displaced. Its familiar function becomes uncertain. The words, the geometry and the orientation no longer communicate in the expected way.

This is where the conceptual question begins.

I am not trying to create a new sign or simply to transform an existing one aesthetically. I am interested in what happens when a familiar reference system is disrupted and the viewer has to reconsider its meaning.

The work therefore questions the relationship between sign, perception and interpretation.

3. In "HAPPY WORLD? Butterfly IIa2", the composition balances structured grid patterns with dynamic movement, accompanied by a title that questions optimism itself. What role does the contrast between strict geometry and playful, existential questioning play in your broader artistic philosophy?

For me, geometry and questioning are not opposites. Geometry gives me a structure through which a question can become perceptible.

In HAPPY WORLD? - Butterfly IIa2, the butterfly emerges from a geometric transformation. It introduces movement, lightness and a sense of possibility, but the question mark in the title remains important.

I do not want to tell the viewer whether this world is actually "happy". The familiar image of the butterfly may suggest optimism, transformation or freedom, but the question mark keeps the interpretation open.

For me, this tension between structure and questioning is not specific to this work. It reflects a broader principle of my practice: geometry provides a precise structure, but it is never the final answer. It creates the conditions in which perception can become active, uncertain and open to new possibilities.

This is part of my approach: I often begin with a recognisable form or visual language, and then introduce a displacement that encourages the viewer to look again.

Apparent simplicity can therefore become an invitation to reconsider what we think we already recognise.

4. In an era flooded with visual noise, your work reclaims simple shapes and signs to prompt deeper contemplation about modern life. What do you hope visitors at the Louvre take away when they pause in front of your pieces?

I do not necessarily want visitors to take away a particular message. I would rather that something happens to their perception.

We live surrounded by signs, images and information that we process extremely quickly. My work sometimes takes a familiar visual element and changes its relationships, orientation or context.

The viewer may initially recognise something, then realise that it does not function exactly as expected.

That moment interests me.

It creates a small interval between recognition and interpretation, where the viewer becomes more attentive to what they are actually seeing.

I am not trying to provide an answer. I am trying to construct the conditions in which a question can emerge.

If the viewer leaves with the feeling that they have looked at something familiar differently, then the work has accomplished something essential.

5. What new horizons or experimental directions are you eager to explore next?

My research is moving toward increasingly complex relationships between matter, geometry, light, space and perception.

I will continue to explore sculpture, but also graphic and material editions, because these different formats allow the same research to develop in different ways.

What interests me is not to reproduce a style, but to construct new perceptual situations: through reflection, transparency, displacement, transformation or the changing relationship between the artwork and its environment.

My work has evolved through questions rather than through a predetermined style, and I want that evolution to continue.

So the next horizon is not a new style. It is a new question.