di Ilaria Rippa

Intervista all'artista Nuria Del Pino in occasione della sua partecipazione alla Fiera Internazionale d'Arte Contemporanea "Art Shopping" presso Le Salles du Carrousel du Louvre a Parigi (Stand B47)

1. È un vero piacere averti con noi tra gli artisti che espongono le loro opere a Parigi, nell'ambito della rinomata fiera "Art Shopping". Quali emozioni ti suscita portare la tua visione artistica nel cuore della capitale francese?

Partecipare ad Art Shopping a Parigi è un'esperienza molto speciale per me. Parigi vanta una storia e una presenza fondamentali nel mondo dell'arte, e sono davvero entusiasta di poter mostrare qui il mio lavoro.

La mia produzione nasce in un luogo molto diverso: Fuerteventura, un'isola dove il paesaggio, la luce, il mare e i vasti spazi aperti rappresentano una componente essenziale del mio modo di vedere e comprendere il mondo. Portare un pezzo di quell'universo a Parigi significa, in un certo senso, stabilire un dialogo tra due luoghi estremamente differenti, eppure accomunati da qualcosa che considero fondamentale: la capacità dell'arte di connettere le sensibilità e creare nuovi spazi d'incontro.

Mi emoziona in modo particolare l'idea che queste sculture — che parlano di concetti universali come l'intimità, la connessione e il senso di unione — possano ora entrare in contatto con persone diverse e con nuove prospettive visive.

2. Prima di addentrarci nella mostra presso Le Salles du Carrousel du Louvre, vorrei fare un salto indietro nel tempo, alle origini del tuo percorso. Qual è la tua formazione e come definiresti oggi il tuo linguaggio artistico?

Sono nata a Madrid, ma mi sono trasferita alle Canarie da piccolissima: Fuerteventura è diventata il mio punto di riferimento e il paesaggio che, in un modo o nell'altro, mi ha accompagnata per tutta la vita. Nel corso degli anni ho vissuto e studiato in diverse città, tra cui Madrid, Barcellona, Londra e Boston, esplorando un'ampia gamma di discipline come il design, la cinematografia, la fotografia, la pittura e la scultura.

Ho sempre sentito il bisogno di indagare e sperimentare con linguaggi e materiali differenti. Credo che questa curiosità sia ancora fortissima nella mia ricerca attuale.

Sebbene la pittura sia stata per molti anni il mio principale mezzo espressivo, la scultura ha gradualmente assunto un ruolo sempre più centrale. Entrambe le discipline mi permettono di esplorare la medesima inquietudine di fondo: lo spazio e il nostro rapporto con esso. Mi interessa sia lo spazio esterno, sia quello spazio più intimo che custodiamo dentro di noi.

Il paesaggio di Fuerteventura — con la sua immensità, il suo silenzio, i suoi contrasti e la sua costante relazione con l'oceano — è vividamente presente nelle mie opere. È un paesaggio che invita all'introspezione. Per questo motivo, più che definire il mio linguaggio artistico attraverso una tecnica o un'estetica particolare, lo descriverei come una ricerca: la ricerca di ciò che è essenziale, di ciò che ci connette con noi stessi, con gli altri e con l'universo che ci circonda.

Amo l'idea che un'opera possa suggerire più di quanto riveli, lasciando uno spazio aperto affinché lo spettatore vi trovi il proprio significato.

3. Kiss, Hug e Untitled sono le tre sculture in bronzo e legno che presenti a Parigi. Osservandole si percepisce una sorta di evoluzione naturale: due corpi che si avvicinano, un abbraccio, un bacio e infine la serenità di appoggiare il viso sul collo dell'altro. Al contempo, ogni pezzo vive di vita propria grazie al suo profondo significato. Qual era la tua intenzione originaria? Sono nate come opere singole o come un tittico? Qual è il valore più profondo che rivestono per te?

Queste tre sculture sono nate dall'esigenza di esprimere un'emozione molto intima: la sensazione di unione, il perdersi nell'altro e, allo stesso tempo, nell'tutto. In un certo senso, raccontano quel momento in cui cessiamo di percepirci come individui separati e ci sentiamo parte di qualcosa di assoluto e più grande di noi.

Ogni opera ha una propria identità e può essere fruita autonomamente, ma le tre sculture possono anche essere lette come una serie, come momenti diversi di un'unica esperienza.

Non mi interessava rappresentare il corpo umano in sé, quanto piuttosto ciò che accade tra due corpi quando si stabilisce una connessione autentica. Il corpo diventa così un linguaggio capace di esprimere ciò che non sempre si può tradurre a parole.

Per me queste sculture parlano di intimità, ma anche di qualcosa di ancora più profondo: il dissolversi dei confini tra sé e l'altro. Un abbraccio, un bacio o il gesto di poggiare il volto sul corpo altrui sono atti semplici e riconoscibili, che racchiudono tuttavia una dimensione universale. In essi risiedono l'abbandono, la fiducia e, in ultima analisi, l'unione.

4. Sei un'artista multidisciplinare che spazia tra pittura e scultura. Ci sono maestri del passato che consideri punti di riferimento nel tuo percorso? Se avessi una macchina del tempo, nello studio di quale grande maestro vorresti entrare?

Ci sono molti artisti che ammiro e dai quali, consciamente o inconsciamente, tutti noi impariamo. Sono particolarmente attratta da chi è riuscito ad andare oltre la semplice rappresentazione per dar voce a qualcosa di più profondo.

Nella scultura mi ha sempre affascinato la capacità dei grandi maestri di trasmettere emozioni attraverso la figura umana, ma anche il modo in cui alcuni hanno esplorato il vuoto, lo spazio e la materia come elementi espressivi a sé stanti.

Ci sono tre scultori in particolare a cui mi sento molto vicina: Auguste Rodin, Alberto Giacometti ed Eduardo Chillida. Ciascuno di loro, attraverso un linguaggio completamente diverso, ha indagato in modo viscerale la relazione tra corpo, spazio e materia.

Se avessi una macchina del tempo mi piacerebbe entrare negli studi di tutti e tre. Sarebbe affascinante osservare da vicino i loro processi creativi, capire come guardavano la materia e come costruivano un'opera a partire da qualcosa che, all'inizio, è invisibile o difficile da esprimere.

5. Grazie per il tuo tempo, Nuria. Approfitto di quest'ultima domanda per chiederti a quali progetti stai lavorando e quali direzioni prenderà la tua arte nei prossimi mesi.

Al momento sto continuando a esplorare sia la pittura che la scultura, concentrandomi in particolare sul rapporto tra corpo, spazio ed emozione. Desidero sviluppare ulteriormente la mia ricerca scultorea perché sento che mi permette di relazionarmi con lo spazio e con la presenza fisica dell'opera in modo molto intuitivo e diretto. Allo stesso tempo, la pittura rimane per me un territorio fondamentale: uno spazio più aperto in cui esplorare il paesaggio, la materia, il colore e quei mondi interiori che fanno parte della mia indagine artistica.

Nei prossimi mesi vorrei continuare a presentare il mio lavoro in nuovi spazi, aprendo questo dialogo con luoghi e pubblici differenti. Per me ogni mostra è anche un'opportunità per scoprire cosa accade quando un'opera lascia lo studio e inizia a convivere con altri sguardi.

Non so esattamente dove mi porterà questo cammino, e credo che l'incertezza sia proprio ciò che rende così affascinante la vita da artista. Ciò che so con certezza è che voglio continuare a indagare, sperimentare e cercare quella connessione tra lo spazio esterno e il paesaggio interiore dell'essere umano, che è stata il cuore del mio lavoro fin dall'inizio.

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From the Canaries to the Carrousel du Louvre: the sculpture of Nuria Del Pino

Interview with artist Nuria Del Pino on the occasion of her participation in the "Art Shopping" International Contemporary Art Fair at Le Salles du Carrousel du Louvre in Paris (Stand B47).

1. It is a true pleasure to have you with us among the artists exhibiting their work in Paris, as part of the renowned Art Shopping showcase. What emotions does it evoke in you to bring your artistic vision to the heart of the French capital?

Taking part in Art Shopping in Paris is a very special experience for me. Paris has such an important history and presence within the art world, and I am very excited to be able to bring my work there.

My work originates in a very different place, Fuerteventura, an island where the landscape, the light, the sea and the vast open spaces are an essential part of the way I see and understand the world. Bringing a part of that universe to Paris means, in a way, establishing a dialogue between two very different places, yet places that are connected by something I consider fundamental: the ability of art to connect sensibilities and create new spaces for encounter.

I am especially moved by the thought that these sculptures, which speak of something as universal as intimacy, connection and a sense of unity, can now encounter different people and different ways of seeing.

2. Before we delve into the exhibition at Les Salles du Carrousel du Louvre, I would like to take a step back in time, to the origins of your journey. What is your background, and how would you define your artistic language today?

I was born in Madrid, but I moved to the Canary Islands when I was very young, and Fuerteventura became my place of reference and the landscape that, in one way or another, has accompanied me throughout my life. Over the years, I have lived and studied in different places, including Madrid, Barcelona, London and Boston, and I have explored a wide range of disciplines, such as design, cinematography, photography, painting and sculpture. I have always felt the need to investigate and experiment with different languages and materials. I believe that this curiosity is still very much present in my work today.

Although painting was my main means of expression for many years, sculpture has gradually become increasingly important to me. Both disciplines allow me to explore the same fundamental concern: space and our relationship with it. I am interested both in external space and in that more intimate space that we carry within us.

The landscape of Fuerteventura, with its vastness, silence, contrasts and constant relationship with the ocean, is very present in my work. It is a landscape that encourages me to look inward. For this reason, rather than defining my artistic language solely through a particular technique or aesthetic, I would describe it as a search: a search for what is essential, for that which connects us with ourselves, with others and with the universe around us. I like the idea that a work can suggest more than it reveals, leaving an open space for the viewer to find their own meaning.

3. Kiss, Hug and Untitled are the three bronze and wood sculptures you are presenting in Paris. Looking at them, one senses a kind of natural evolution: two bodies drawing closer, an embrace, a kiss, and finally the serenity of resting one's face against the other's neck. At the same time, each piece can stand independently because of its profound meaning. What was your original intention? Were they conceived individually or as a triptych? What deeper meaning do they hold for you?

These three sculptures were born from the need to express a very intimate emotion: a feeling of unity, of losing oneself in another and, at the same time, in the whole. In a way, they speak of that moment when we cease to experience ourselves as individual and separate beings and instead feel ourselves to be part of something absolute and greater than ourselves.

Each piece has its own identity and can be viewed independently, but they can also be understood together as a series, as different moments within the same experience. I was not interested in representing the human body alone, but rather what happens between two bodies when there is a genuine connection. The body thus becomes a language capable of expressing what cannot always be put into words.

For me, these sculptures speak of intimacy, but also of something deeper: the dissolution of the boundaries between oneself and another. An embrace, a kiss, or resting one's face against another's body are very simple and recognisable gestures, yet they contain a much more universal dimension. Within them there is a sense of surrender, trust and, ultimately, unity.

4. You are a multidisciplinary artist whose research develops between painting and sculpture. Are there masters of the past whom you consider references in your artistic journey? If you had a time machine, whose studio among the great masters would you choose to step into?

There are many artists whom I admire and from whom, consciously or unconsciously, we all learn. I am especially drawn to those who have managed to go beyond representation in order to speak about something deeper.

In sculpture, I have always been attracted by the ability of great masters to convey emotion through the human body, but also by the way some artists have explored emptiness, space and matter as expressive elements in their own right.

There are three sculptors whom I feel particularly close to: Auguste Rodin, Alberto Giacometti and Eduardo Chillida. Each of them, through a completely different language, explored in profound ways the relationship between the body, space and matter.

If I had a time machine, I would love to be able to enter the studios of all three. It would be fascinating to observe their creative processes up close, to see how they looked at matter and how they built a work from something that, to begin with, can be invisible or difficult to express.

5. Thank you for your time, Nuria. I will take advantage of this final question to ask what projects you are currently working on and where your art will head in the coming months.

At the moment, I continue to explore both painting and sculpture, particularly the relationship between the body, space and emotion. I am interested in continuing to develop my work in sculpture because I feel that it allows me to engage with space and with the physical presence of the work in a very intuitive and direct way. At the same time, painting remains a fundamental territory for me, a more open space where I can explore landscape, matter, colour and those inner worlds that are part of my research.

Over the coming months, I would like to continue presenting my work in new spaces and opening up this dialogue with different places and audiences. For me, every exhibition is also an opportunity to discover what happens when a work leaves the studio and begins to coexist with other ways of seeing.

I do not know exactly where this path will take me, and I think that uncertainty is part of what makes being an artist so interesting. What I do know is that I want to continue investigating, experimenting and searching for that connection between external space and the inner landscape of the human being that has been at the heart of my work from the beginning.