di Ilaria Rippa

Intervista all'artista Anthony Cerrato in occasione della sua partecipazione alla Fiera Internazionale d'Arte Contemporanea "Art Shopping" presso Le Salles du Carrousel du Louvre a Parigi (Stand B47)

1. Ciao Anthony, è un piacere averti con noi tra gli artisti che espongono le proprie opere a Parigi, nella celebre vetrina di 'Art Shopping'. Quali sono le tue emozioni nel presentare una delle tue creazioni nella capitale francese?

È un onore esporre a Parigi, in particolare ad Art Shopping presso il Carrousel du Louvre. Parigi vanta una storia artistica straordinaria e l'opportunità di presentare qui il mio lavoro è entusiasmante. Ciò che conta di più per me è la possibilità che qualcuno, pur non avendo mai visto i miei dipinti, possa entrare in sintonia con uno di essi a modo suo. Considero questa opportunità con grande serietà, ma desidero anche che sia l'opera stessa a parlare da sé.

2. Ma facciamo un passo indietro e partiamo dall'inizio. Quando è nato il tuo percorso artistico, qual è la tua formazione e come definisci la tua arte?

Il mio percorso nella pittura non è stato propriamente tradizionale. L'espressione creativa fa parte della mia vita da molto tempo, in particolare attraverso la musica e la chitarra, e la pittura è diventata un altro modo per esplorare questi interessi. Ho conseguito un master presso il Dartmouth College e una laurea triennale presso la University of Michigan. Come pittore, sono autodidatta.

Il mio lavoro affonda le radici nell'espressionismo astratto. Utilizzo gesti ampi e spontanei insieme a linee più nitide ed elementi architettonici, creando un equilibrio tra movimento e struttura. Raramente inizio con un'immagine fissa o un punto focale centrale; preferisco lasciare che la composizione si sviluppi mentre lavoro, rispondendo alle relazioni tra i colori, i segni e lo spazio.

3. Navy No. 89 è il titolo dell'opera in esposizione al Carrousel du Louvre, un lavoro astratto caratterizzato da un forte dinamismo e da un'esplosione di pennellate multicolore dove il blu si fa spazio e cattura l'occhio dello spettatore. Come nasce quest'opera e quanto è importante, all'interno dei tuoi quadri, la scelta e l'accostamento delle tonalità? Possiamo ritenere i colori portatori di un messaggio?

Navy No. 89 si è sviluppato attraverso l'atto stesso del dipingere, piuttosto che da un'immagine prestabilita. Il blu ha assunto una forte presenza, ma lo vedo in relazione agli altri colori, alle linee nere e al movimento sulla tela. Ogni parte cambia il modo in cui le altre vengono percepite.

Il colore è centrale nel mio lavoro, ma non attribuisco un significato fisso a ciascuna sfumatura. Mi interessano maggiormente l'energia, la tensione e il ritmo che si creano quando i colori interagiscono tra loro. In questo senso, il colore può certamente comunicare qualcosa, ma preferisco non imporre un singolo messaggio. Desidero che siano gli spettatori a portare le proprie interpretazioni all'opera.

4. Ci sono degli artisti del passato a cui ti sei ispirato, nella creazione del tuo personalissimo stile artistico? Se potessi viaggiare nel tempo, chi ti piacerebbe incontrare tra loro?

Ammiro Willem de Kooning per l'energia e la libertà delle sue pennellate, e Gerhard Richter per la sua sperimentazione con il colore e la superficie. Sono anche attratto dai primi dipinti di Jackson Pollock, quelli precedenti alle opere realizzate con il dripping (la tecnica del gocciolamento). Picasso mi interessa per un motivo diverso: la geometria e le linee rette del Cubismo, così come i modi in cui ha ripensato la figura umana, in particolare nei suoi ritratti di donne.

Questi artisti si sono approcciati alla pittura in modi molto diversi, ma ognuno di loro ha sfidato le convenzioni in un modo che trovo affascinante. Anche la musica influenza il mio modo di dipingere. Penso al ritmo, all'improvvisazione e ai cambi di tempo proprio come faccio quando suono la chitarra. Se potessi incontrare uno di questi artisti, sceglierei de Kooning. Sarei affascinato dall'ascoltare come concepiva il gesto, la composizione e il momento in cui capire che un quadro era finito.

5. In conclusione, cosa dobbiamo aspettarci per il futuro? Ci sono già nuovi progetti all'orizzonte dopo questa importante tappa parigina?

Ho intenzione di continuare a dipingere, sperimentare e sviluppare il mio lavoro. C'è ancora molto che desidero esplorare nella relazione tra colore, movimento e struttura architettonica, e mi aspetto che il mio approccio continui a evolversi.

Sono interessato a future mostre e a opportunità per far incontrare i miei dipinti con i collezionisti, ma preferisco concentrarmi sul realizzare opere forti piuttosto che fare previsioni su un prossimo traguardo specifico. Parigi è un'opportunità di cui sono grato. Dopo, la priorità sarà continuare ad andare avanti e rendere migliore il prossimo dipinto.

EN

From movement to structure: the abstract expressionism of Anthony Cerrato at Art Shopping Paris

Interview with artist Anthony Cerrato on the occasion of his participation in the "Art Shopping" International Contemporary Art Fair at Le Salles du Carrousel du Louvre in Paris (Stand B47)

1. Hello Anthony, it is a pleasure to have you with us among the artists exhibiting their work in Paris, in the famous showcase of 'Art Shopping'. How does it feel to present one of your creations in the French capital?

It is an honor to exhibit in Paris, particularly at Art Shopping in the Carrousel du Louvre. Paris has an extraordinary artistic history, and the opportunity to present my work there is exciting. What matters most to me is the chance for someone who has never encountered my paintings to connect with one in their own way. I take that opportunity seriously, but I also want the work itself to do most of the talking.

2. But let's take a step back and start from the beginning. When did your artistic journey begin, what is your background, and how would you define your art?

My path into painting was not particularly traditional. Creative expression has been part of my life for along time, especially through music and playing guitar, and painting became another way to explore those interests. I hold a master's degree from Dartmouth College and an undergraduate degree from the University of Michigan. As a painter, I am self-taught.

My work is rooted in abstract expressionism. I use broad, spontaneous gestures alongside sharper lines and architectural elements, creating a balance between movement and structure. I rarely begin with a fixed image or a central focal point. I prefer to let a composition develop as I work, responding to the relationships between colors, marks, and space.

3. 'Navy No. 89' is the title of the artwork on display at the Carrousel du Louvre: an abstract work characterized by strong dynamism and an explosion of multicolored brushstrokes, where blue carves out its space and catches the viewer's eye. How was this piece born, and how important are the choice and combination of shades within your paintings? Can we consider colors as carriers of a message?

Navy No. 89 developed through the act of painting rather than from a predetermined image. The blue became a strong presence, but I see it in relation to the other colors, the black lines, and the movement across the canvas. Each part changes the way the others are experienced.

Color is central to my work, but I do not assign a fixed meaning to each shade. I am more interested in the energy, tension, and rhythm created when colors interact. In that sense, color can certainly communicate something, but I prefer not to dictate a single message. I want viewers to bring their own interpretations to the painting.

4. Are there any artists from the past who inspired you in creating your very own artistic style? If you could travel through time, who among them would you like to meet?

I admire Willem de Kooning for the energy and freedom of his brushwork, and Gerhard Richter for his experimentation with paint and the surface. I am also drawn to Jackson Pollock's earlier paintings, before the drip works. Picasso interests me for a different reason: the geometry and straight lines of Cubism, as well as the ways he reimagined the human figure, particularly in his paintings of women.

These artists approached painting very differently, but each challenged convention in a way I find compelling. Music also shapes the way I paint. I think about rhythm, improvisation, and changes in tempo much as I do when playing guitar. If I could meet one of those artists, I would choose de Kooning. I would be fascinated to hear how he thought about gesture, composition, and knowing when a painting was finished.

5. In conclusion, what can we expect for the future? Are there already new projects on the horizon after this important Parisian milestone?

I plan to keep painting, experimenting, and developing the work. There is still a great deal I want to explore in the relationship between color, movement, and architectural structure, and I expect my approach to continue evolving.

I am interested in future exhibitions and opportunities to connect the paintings with collectors, but I would rather focus on making strong work than make predictions about a specific next milestone. Paris is an opportunity I am grateful for. Afterward, the priority is to keep moving forward and make the next painting better.