di Elisa Tommasoni

Intervista all'artista Cecile Batillat in occasione della sua partecipazione alla Fiera Internazionale d'Arte Contemporanea "Art Shopping" presso Le Salles du Carrousel du Louvre a Parigi (Stand B47)

1. Per iniziare la nostra intervista, potrebbe parlarci del suo percorso artistico? Ha seguito una formazione accademica o è autodidatta?

Il mio percorso artistico nella pittura è al tempo stesso accademico e arricchito da altre arti e culture. La musica, la danza, il teatro, la fotografia, il cinema e la letteratura fanno parte della mia poetica. L'interdisciplinarità è stata fin dall'inizio alla base della mia formazione in Arti Plastiche a Parigi. Si tratta di mezzi espressivi che, interagendo tra loro, mi servono a costruire un linguaggio simbolico. Mi piace paragonarlo all'«Aperto» e alla «Metamorfosi» di Rilke.

2. Quando crea le sue opere, lavora in modo più intuitivo e interiore, oppure si tratta di un processo più razionale?

Entrambe le cose. All'inizio l'opera mi richiede sempre una certa maturazione intellettuale. Possono volerci mesi prima che l'idea si definisca. Poi, una volta costruita la composizione, l'inconscio riprende il sopravvento. Il lavoro sui dettagli, paradossalmente, mi apre a una certa astrazione. La vibrazione dell'inchiostro agisce. Chinarmi sulla tela o sul foglio mi immerge nella materia. Le mie idee si imprimono sul supporto. È il significato che produce la simbologia della scrittura a incidere nella materia ciò che è, a incarnarlo. Lavoro raramente in verticale, prediligendo l'orizzontale. Mi piace l'immagine che l'espressione «chinarsi su» un soggetto evoca a prima vista.

3. Perché ha deciso di partecipare a questo importante evento parigino presso il prestigioso Carrousel du Louvre?

Dopo essere stata selezionata per il Salon d'Automne e Art Capital a Parigi negli anni precedenti, partecipare all'Art Shopping del Carrousel du Louvre è per me un evento simbolico. È un luogo di incontro prestigioso, grazie alla sua storia, ma al tempo stesso più accessibile rispetto a una galleria. Con oltre 10.000 visitatori per ogni edizione, la fiera attira un flusso costante di turisti di passaggio, parigini curiosi e acquirenti. Il contatto con il pubblico è diretto e per me sempre arricchente. L'arte è innanzitutto un linguaggio che amo condividere. Questi scambi con il pubblico mi arricchiscono enormemente. È proprio in questi momenti di convivialità che posso rendermi conto se ciò che creo tocca davvero l'inconscio collettivo su cui mi concentro.

4. Cosa si aspetta da un evento di questo tipo?

Il Louvre di Parigi è un punto di riferimento della cultura mondiale e il Carrousel beneficia di questa notorietà. Avendo viaggiato e presentato il mio lavoro un po' ovunque nel mondo, venire qui è per me come un ritorno alle origini, dopo New York, la Germania, l'Argentina, la Corea del Sud e l'Italia. È sempre piacevole poter parlare in francese della portata del mio lavoro! 

5. Nelle opere che espone, si vedono due ritratti di donne accompagnati da vari simboli; potrebbe spiegarceli?

Queste due opere fanno parte della mia serie La Fille de l'air, ispirata alla fiaba La Sirenetta di Andersen. Sono state realizzate nel 2025 per il Festival d'Arte di Brema organizzato dalla Galleria Onil in Germania. Entrambe riprendono il momento della fiaba in cui la sirena è consapevole della sua imminente morte. Questo istante tra la vita e la morte è sospeso e ci fa percepire quella dilatazione del tempo che esso provoca: lo stupore della sirena e l'impotenza di sua nonna di fronte a questa metamorfosi. Ma questa è solo l'ispirazione aneddotica e concreta; al di là di ciò, la tela ci pone di fronte alla nostra stessa introspezione riguardo alla percezione del tempo, al suo ineluttabile scorrere e alla sua soglia fatale.

Queste due tele sono due variazioni attorno a un unico asse: il passaggio dalla materia allo spirito, dal visibile all'invisibile, dalla ferita alla metamorfosi. I simboli, qui, costruiscono una narrazione interiore vicina al racconto latente e all'archetipo, grazie anche al loro dialogo con le parole dei titoli e degli haiku. Fanno emergere una realtà interiore, inconscia e comune a tutti. Il femminile è un tema ricorrente, così come la frattura e la frammentazione, il vegetale, il profumo inteso come respiro e memoria sensoriale, i fiori e la farfalla come motivi di germinazione e trasformazione.

Il tempo altera i corpi ma non distrugge necessariamente lo spirito. Lo spirituale e il materiale si rispecchiano in queste due opere: la silfide, essere dell'aria, leggera, immateriale, danzante, che evoca il respiro e il movimento; e poi, altrettanto volatile, il profumo, che a sua volta collega un ricordo del mare al mondo costiero. L'alga è una materia spiaggiata, umida, scura, organica, depositata dal movimento di quel mare. A differenza della silfide, che appartiene all'aria e alla leggerezza, le alghe rimandano alla densità, alla decomposizione, alla profondità e al ritorno della materia verso la terra. La silfide è quindi una figura di mezzo: non è né completamente umana né interamente soprannaturale. Si colloca tra il corpo e l'aria, tra la presenza e la scomparsa, tra la forma e il suo dissolversi.

L'alga, tuttavia, possiede una forte carica poetica. Il suo odore evoca immediatamente un paesaggio: la spiaggia, le alghe, il vento marino, il riflusso del mare. Il titolo non evoca quindi solo un'immagine visiva, ma un ricordo sensoriale. Il profumo agisce come un innesco di ricordi, una traccia invisibile che collega il presente a un luogo o a un'esperienza passata. Appartiene all'invisibile pur producendo un'impressione molto concreta; agisce sul corpo e sulla memoria. In Parfum de varech, il titolo suggerisce che l'immagine non debba essere considerata solo come una composizione plastica, ma debba anche essere «respirata» mentalmente. Lo spettatore è invitato a passare dalla visione alla sensazione, e poi dalla sensazione a un ricordo più profondo. Il profumo diventa così una metafora dell'impronta: ciò che rimane dopo il passaggio di un essere, di un paesaggio o di un evento.

L'alga è una materia ambivalente, a metà tra la vita e la scomparsa. Proviene dal mondo vivente — il mondo vegetale marino — ma appare sulla riva come una materia strappata, spostata, quasi morta. Porta quindi in sé il ciclo della vita, della separazione, dell'arenamento e della trasformazione. La materia si trasforma e ritorna al ciclo naturale; l'alga simboleggia una forma di sopravvivenza piuttosto che una semplice decomposizione.

Le due opere formano quindi un dittico simbolico tra l'aria e il mare, lo spirito e la materia, la rottura e la persistenza. L'essere umano non si riduce mai a ciò che è immediatamente visibile: sopravvive in un soffio, in un odore, in una traccia, in un ricordo o in una forma che, anche se frammentata, continua a risplendere. L'immagine deve aprirsi verso una realtà più vasta della sua sola apparenza, in particolare grazie al dialogo tra simboli, narrazione e haiku.

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Cécile Batillat at the Carrousel du Louvre: The Art of the Symbol between Poetry, Matter, and Metamorphosis 

Interview with artist Cecile Batillat on the occasion of her participation in the "Art Shopping" International Contemporary Art Fair at Le Salles du Carrousel du Louvre in Paris (Stand B47).

1. To start our conversation, can you tell us about your artistic journey, are you academically trained or self-taught?

My artistic journey in painting is both academic and informed by other arts and cultures. Music, dance, theater, photography, film, and literature are all part of my artistic vision. Interdisciplinarity has been, from the very beginning, the foundation of my training in the visual arts in Paris. These are mediums that, by interacting with one another, help me establish a symbolic language. I like to compare it to Rilke's concepts of the Open and the Metamorphosis.

2. Do you work more on an internal and intuitive level when creating your artistic works, or is it a more rational process?

Both. At the beginning, the work always requires a certain amount of intellectual maturation on my part. This can take months until the idea becomes clear. Then, once the composition is established, the unconscious takes over again. Paradoxically, working on the details opens me up to a certain abstraction. The vibration of the ink takes effect. Leaning over the canvas or sheet of paper immerses me in the material. My ideas become inscribed in the medium. It is the meaning produced by the symbolism of writing that engraves what is into the material, that embodies it. I rarely work vertically; rather, I work horizontally. I like the literal image conveyed by the expression "leaning over" a subject.

3. Why did you decide to participate in this important Parisian event at the prestigious Carrousel du Louvre?

After being selected for the Salon d'Automne and Art Capital in Paris in previous years, participating in Art Shopping at the Carrousel du Louvre is symbolic for me. It's a venue that's both prestigious—thanks to its history—and more accessible than a gallery. With over 10,000 visitors per edition, the fair attracts a steady stream of passing tourists, curious Parisians, and buyers. The interaction with the public there is direct and always enriching for me. Art is, above all, a language that I love to share. These exchanges with the public mean a great deal to me. It is during these moments of camaraderie that I can gauge whether what I create truly resonates with the collective unconscious that I explore.

4. What do you expect from an event of this kind?

The Louvre in Paris is a major hub of global culture. Le Carrousel benefits from this reputation. Having traveled and presented my work all over the world, coming here feels a bit like returning to my roots after New York, Germany, Argentina, South Korea, and Italy. It's always more comfortable to be able to discuss the scope of my work in French ;).

5. In the works you are exhibiting, we see two female portraits together with various symbols; could you explain them to us?

These two works are part of my La Fille de l'air series, inspired by Andersen's The Little Mermaid. They were created in 2025 for the Bremen Art Festival organized by Galerie Onil in Germany. Both works capture the moment in the tale when the mermaid realizes her impending death. This moment between life and death is suspended, making us feel the expansion of time it evokes: the mermaid's stupor and her grandmother's helplessness in the face of this transformation. But this is merely the concrete, anecdotal inspiration; beyond that, the painting confronts us with our own introspection regarding this perception of time, its inevitable passage, and its fatal threshold.

These two paintings are variations on a single theme: the transition from matter to spirit, from the visible to the invisible, from wound to metamorphosis. Here, the symbols construct an inner narrative akin to a latent story or archetype, thanks in part to their dialogue with the words of the titles and haikus. They reveal an inner, unconscious reality shared by all. The feminine is a recurring theme, as are rupture and fragmentation, the plant world, scent as breath and sensory memory, and flowers and butterflies as motifs of germination and transformation. Time alters bodies but does not necessarily destroy the spirit. The spiritual and the material are mirrored in these two works: the sylph, a being of the air—light, immaterial, and dancing—evoking breath and movement; and, equally volatile, the scent, which in turn connects a memory of the sea to the coastal world. It is washed-up matter—damp, dark, organic—deposited by the movement of the sea. Unlike the sylph, which embodies air and lightness, the kelp evokes density, decomposition, depth, and the return of matter to the earth. The sylph is thus a figure of the in-between. She is neither completely human nor entirely supernatural. She stands between the body and the air, between presence and disappearance, between form and its fading. Kelp, however, carries a strong poetic charge. Its scent immediately evokes a landscape: the shore, seaweed, the sea breeze, the receding tide. The title thus evokes not only a visual image but also a sensory memory. The scent acts as a trigger for memories, an invisible trace that connects the present to a past place or experience. The scent belongs to the invisible realm while producing a very concrete impression; it affects both the body and memory. In Parfum de varech, the title suggests that the image should not be viewed solely as a visual composition. It must also be "breathed in" mentally. The viewer is invited to move from sight to sensation, and then from sensation to a deeper memory. The scent thus becomes a metaphor for an imprint: what remains after the passing of a being, a landscape, or an event. Seaweed is an ambivalent material, caught between life and disappearance. It comes from the living world—the marine plant kingdom—but appears on the shore as something torn away, displaced, almost dead. It thus embodies the cycle of life, separation, stranding, and transformation. The material transforms; it returns to the natural cycle. Kelp symbolizes a form of survival rather than mere decomposition.

The two works thus form a symbolic diptych between air and sea, spirit and matter, rupture and persistence. Human beings can never be reduced to what is immediately visible: they endure in a breath, a scent, a trace, a memory, or a form that, even when fragmented, continues to radiate. The image must open up to a reality broader than its mere appearance, particularly through the dialogue between symbols, narrative, and haiku.