di Ilaria Rippa

Il 13 febbraio, le prestigiose sale del Museo d'Arte e Scienza apriranno le porte alla cerimonia di premiazione degli Olympus Arts Awards. Tra le personalità di spicco selezionate per la Sezione Arti Visive, vi è anche l'artista francese Bertrand Marcelly, alias Eli Mars Sculptor, un artista che ha saputo sintetizzare rigore e creatività, partendo dalla formazione ingegneristica e progredendo verso una profonda ricerca filosofica.

1. Ci parli di "Happy World? – Butterfly IIa2", l'opera con cui ha partecipato e vinto gli Olympus Arts Awards.

« "Happy World? - Butterfly IIa2" non è un'affermazione, ma una domanda sospesa nello spazio. La composizione si articola attraverso forme ritmiche, simili ad ali, che evocano corpi collettivi in movimento: una metafora visiva dell'umanità che avanza unita attraverso lo sforzo, la disciplina e la resilienza condivisa. Il gesto gioca un ruolo centrale: le strutture ripetute e ondulate richiamano sia il movimento atletico sia l'impegno fisico del corpo con la materia, dove azione, resistenza ed equilibrio sono inseparabili. Il riferimento alla farfalla introduce un livello simbolico più profondo: una rinascita senza spettacolo, una trasformazione ottenuta attraverso la fragilità, il tempo e la costanza. Come nella natura e nello sport, il cambiamento non è mai immediato; si conquista con la resistenza. Al cuore dell'opera risiede il punto interrogativo stesso: la rinascita non è mai scontata, è oggetto di una negoziazione continua. L'amore, in questo senso, non è sentimentale ma consapevole, una forma attiva di cura verso se stessi, verso gli altri e verso il mondo che stiamo plasmando collettivamente. La luce gioca un ruolo decisivo in questo processo. Non è decorativa, ma astratta e dinamica, evocando velocità, intensità e momenti di accresciuta consapevolezza, una forma di estasi legata al movimento e alla concentrazione. 

La tavolozza cromatica rafforza questa tensione: il rosso incarna l'energia vitale, la lotta e la resistenza, mentre il blu rappresenta l'equilibrio, la chiarezza e la forza interiore. La loro continua alternanza riflette un ritmo di sforzo e recupero, riecheggiando sia i cicli atletici che l'esperienza umana. 

Creata specificamente per gli Olympus Arts Awards nel febbraio 2026, nel contesto dei Giochi Olimpici Invernali di Milano-Cortina, "Happy World? - Butterfly IIa2" è la mia opera più recente e fa parte della serie HAPPY WORLD, che attualmente conta sei pezzi. La serie è strutturata attorno al Rettangolo Aureo, citando la Sezione Aurea — dal pensiero antico fino alle ricerche matematiche di Fibonacci — come espressione senza tempo di armonia, proporzione e dell'intelligenza sottesa alla natura. Ogni opera della collezione HAPPY WORLD esplora il rapporto tra i mondi interiori e l'ambiente circostante, affrontando armonia e tensione, corpo e mente, forza e morbidezza. La trasformazione è approcciata come un processo dinamico, a volte sincrono, a volte asincrono, dove l'apparente leggerezza nasconde complessità e ambivalenza. La sensibilità cromatica si attiva contro una superficie sistematicamente strutturata, a matrice, mentre il linguaggio formale attinge agli alfabeti visivi dell'astrazione geometrica del XX secolo. Questa collezione segna una naturale evoluzione della mia ricerca artistica, estendendo la mia precedente serie MONDI FELICI, che esplorava processi di estrapolazione e spostamento mixed-media, ed è stata presentata in contesti museali e gallerie internazionali in tutta Europa e oltre. »

2. Cosa voleva fare da bambino? L'arte ha sempre fatto parte della sua vita o è arrivata più tardi?

« Da bambino, l'arte faceva già parte della mia vita, anche se inizialmente non sotto forma di belle arti. È emersa attraverso le arti applicate, radicate nella lunga tradizione di ebanisteria della mia famiglia. La famiglia Marcelly progettava e produceva mobili ispirati agli stili del XVIII e XIX secolo, caratterizzati da curve scolpite, oltre a progetti di interior design di alta gamma su misura che univano tradizione e modernità, anche per spazi dell'ospitalità internazionale. Questo ambiente ha nutrito fin da piccolo una forte sensibilità per la forma, la materia e l'architettura d'interni. Ho passato molto tempo a osservare come venivano fatte le cose: la logica dei meccanismi, i macchinari industriali e l'organizzazione umana che circonda la produzione. Con la curiosità e l'energia di un bambino, sono rimasto affascinato dai processi, dai gesti e dall'intelligenza insita nell'artigianato e nella costruzione. Allo stesso tempo, seguivo da vicino le sperimentazioni di mio zio, che stava sviluppando il proprio percorso come artista visivo. Questo dialogo costante tra creazione funzionale ed esplorazione artistica ha segnato profondamente il mio modo di vedere. Molto presto sono diventato attento ai simboli e ai significati più profondi che sottendono agli oggetti, ai materiali e, più in generale, a ciò che anima gli esseri umani. Questa sensibilità è stata ulteriormente nutrita dalla curiosità di mia madre e dalla sua apertura all'arte contemporanea in tutte le sue forme. Grazie a lei, ho avuto l'opportunità di incontrare artisti nei loro studi, scambiare idee su processi e prospettive con figure di diversi movimenti artistici, confrontarmi con galleristi e mercanti d'arte e visitare le principali fiere d'arte contemporanea. Durante questo periodo formativo, ho sviluppato anche una forte passione per la filosofia, studiata durante il liceo. Nella mia ricerca dell'essenza delle cose, ero spinto dal desiderio di articolare le idee attraverso la materia, di mettere in discussione la realtà attraverso la forma, il colore, la struttura e i sistemi, e di stabilire un legame significativo tra la materialità e il mondo delle idee. Questo approccio filosofico è rimasto un fondamento costante della mia pratica artistica. Parallelamente, il mio forte interesse per la matematica, la scienza, l'informatica e la tecnologia mi ha portato a conseguire una laurea in ingegneria. Lungi dall'allontanarmi dall'arte, questo percorso mi ha fornito una forma di pensiero strutturato, un rigore metodologico e una duratura fascinazione per i sistemi, le proporzioni e la trasformazione. Sei anni dopo aver completato gli studi, è diventato naturale e necessario appropriarmi pienamente di questo percorso artistico, sperimentare attraverso le mie mani ed estendere, con il mio linguaggio, la ricerca iniziata da artisti come Malevich, Krasiński, Mondrian, Duchamp, Herbin e Vasarely, il cui lavoro costituisce un'immensa eredità da interrogare, prolungare e riattivare. Guardando indietro, l'arte non è arrivata improvvisamente o tardi nella mia vita; è sempre stata presente, evolvendosi organicamente dal saper fare tradizionale alla ricerca concettuale, dalla forma applicata a un linguaggio artistico pienamente articolato. »

3. Quanto c'è di lei nel suo lavoro? Direbbe che la riflette profondamente?

« Molto di me è presente nel mio lavoro, ma non in senso confessionale o autobiografico. Piuttosto che esprimere direttamente emozioni o narrazioni personali, la mia pratica riflette il modo in cui osservo, analizzo e interrogo il mondo. Il mio lavoro incarna il mio modo di pensare: strutturato, rigoroso, eppure profondamente attento all'incertezza e alla trasformazione. Formato come ingegnere e guidato da un approccio filosofico, costruisco ogni pezzo come un sistema, un'ipotesi resa visibile, dove materia, geometria, luce e tempo interagiscono. In questo senso, le mie opere non sono specchi della mia vita, ma estensioni del mio quadro intellettuale e percettivo. Ciò che è profondamente personale è la postura etica dietro il lavoro: l'attenzione all'equilibrio, alla precisione, al fragile bilanciamento tra forza e fragilità, controllo e apertura. Queste tensioni riflettono il mio rapporto con il mondo, plasmato dalla disciplina, dalla ricerca e da una costante consapevolezza della complessità. Allo stesso tempo, le mie sculture sono deliberatamente incomplete senza lo spettatore. Il significato non è fisso; emerge attraverso la percezione, il movimento e la posizione. Lo sguardo non scopre semplicemente l'opera, la attiva. Questo spostamento dell'autorialità è per me essenziale: l'opera diventa uno spazio condiviso piuttosto che un'affermazione personale. Quindi sì, il mio lavoro mi riflette profondamente, ma non come un ritratto. Riflette il mio modo di confrontarmi con la realtà, il mio impegno nel mettere in discussione come percepiamo, come ci relazioniamo con lo spazio e come il significato venga continuamente costruito invece di essere dato per scontato. »

4. Se potesse incontrare un artista del passato, chi sarebbe?

« Se potessi incontrare un artista del passato, Piet Mondrian sarebbe certamente uno di questi, non solo per la radicale chiarezza del suo linguaggio visivo, ma per la profondità filosofica del suo pensiero. Mondrian non perseguiva l'astrazione come stile, ma come mezzo per avvicinarsi a un ordine universale: un equilibrio dinamico tra forze opposte. Oggi mi confronto con il suo pensiero attraverso le sue opere, i suoi scritti e i suoi archivi, e questo dialogo continuo continua a informare la mia ricerca su struttura, equilibrio e spazio percettivo. Un altro artista che sento particolarmente vicino è Edward Krasiński. Per molto tempo ho coltivato l'intenzione di estendere la sua iconica linea blu, non come citazione, ma come continuazione nello spazio e nella percezione. Questa intenzione si è concretizzata durante la mia mostra retrospettiva "Between the Lines: Echoes & Experiences" alla Galerie ARCADE in Francia (ottobre-novembre 2024), dove ho sviluppato una sfumata doppia linea che interagisce tridimensionalmente con le mie strutture a rilievo. In questo gesto, la linea diventa meno un confine e più un dispositivo relazionale, attivando sia lo spazio che il movimento dello spettatore. Ciò che mi connette profondamente sia a Mondrian che a Krasiński è la loro apertura mentale, così come la loro mobilità intellettuale e geografica. Intendevano l'arte come un campo di sperimentazione in costante movimento, sensibile al proprio tempo ma capace di andare oltre. Questa libertà risuona fortemente con il mio percorso, poiché immagino la mia pratica evolversi attraverso il dialogo con diverse scene artistiche, in particolare nel contesto italiano, negli Stati Uniti e attraverso un profondo scambio culturale con il Giappone. Incontrarli non sarebbe stato cercare risposte, ma condividere un modo di pensare, dove l'arte è un sistema vivo, continuamente esteso da coloro che vi si relazionano. »

5. Sta lavorando a nuovi progetti?

« Sì, sono attualmente impegnato in diversi progetti interconnessi che estendono la mia ricerca in corso su percezione, struttura e trasformazione. Al momento, la mia attenzione è rivolta alla produzione di nuove opere che proseguono le linee di ricerca HAPPY WORLD?, NO WAY? e RELATIVE POSITION, dove geometria, luce e materiale interagiscono come sistemi dinamici piuttosto che come forme fisse. Questi lavori esplorano le nozioni di resilienza, equilibrio e rinnovamento, concetti che risuonano fortemente con il contesto olimpico, ma anche con questioni umane e sociali più ampie. Parallelamente, sto sviluppando una nuova serie di opere scultoree e grafiche che affinano ulteriormente il mio esclusivo processo Hi-Tech Transplants, integrando legno, lacca, specchi e materiali a base di vetro in dispositivi percettivi sempre più precisi. In queste opere, la posizione e il movimento dello spettatore giocano un ruolo centrale, trasformando l'osservazione in un'esperienza attiva. La mostra al Museo d'Arte e Scienza di Milano rappresenta una tappa importante in questa traiettoria. È sia un momento di riconoscimento che un punto di transizione, che apre la strada a futuri progetti istituzionali e internazionali. Guardando al futuro, desidero espandere la mia pratica attraverso collaborazioni con musei, curatori e istituzioni culturali, in particolare in Europa, negli Stati Uniti e in Giappone, dove i dialoghi intorno all'astrazione, alla tecnologia e alla filosofia rimangono particolarmente fertili. Piuttosto che approcciare i progetti come eventi isolati, li concepisco come capitoli all'interno di un processo di ricerca continuo, che si evolve attraverso la sperimentazione, l'incontro e la costante ridefinizione di forma e significato. »

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Olympus Arts Awards: interview with Bertrand MARCELLY (a.k.a. Eli MARS Sculptor©)

On February 13th, the prestigious halls of the Museum of Art and Science will open their doors to the Olympus Arts Awards ceremony. Among the prominent figures selected for the Visual Arts Section is French artist Bertrand Marcelly, aka Eli Mars Sculptor, an artist who has successfully combined rigor and creativity, drawing on an engineering background and advancing toward profound philosophical research.

1. Tell us about "Happy World? – Butterfly IIa2", the work you submitted for and won the Olympus Arts Awards.

« "Happy World? - Butterfly IIa2" is not a statement, but a question suspended in space. The composition unfolds through rhythmic, wing-like forms that evoke collective bodies in motion, a visual metaphor for humanity advancing together through effort, discipline, and shared resilience. Gesture plays a central role: the repeated, undulating structures recall both athletic movement and the physical engagement of the body with matter, where action, resistance, and balance are inseparable. The reference to the butterfly introduces a deeper symbolic layer: rebirth without spectacle, transformation achieved through fragility, time, and persistence. As in nature and in sport, change is never immediate; it is earned through endurance. At the core of the work lies the question mark itself: rebirth is never granted, it is continuously negotiated. Love, in this sense, is not sentimental but conscious, an active form of care toward oneself, toward others, and toward the world we are collectively shaping. Light plays a decisive role in this process. It is not decorative, but abstract and dynamic, evoking speed, intensity, and moments of heightened awareness, a form of ecstasy linked to movement and concentration. The colour palette reinforces this tension: red embodies vital energy, struggle, and resistance, while blue represents balance, clarity, and inner strength. Their continuous alternation reflects a rhythm of effort and recovery, echoing both athletic cycles and human experience. Created specifically for the Olympus Arts Awards in February 2026, within the context of the Milan-Cortina Winter Olympic Games, "Happy World? - Butterfly IIa2" is my most recent work and part of the HAPPY WORLD series, which currently consists of six pieces. The series is structured around the Golden Rectangle, referencing the Golden Ratio, from ancient thought through Fibonacci's mathematical research, as a timeless expression of harmony, proportion, and the underlying intelligence of nature. Each work in the HAPPY WORLD collection explores the relationship between inner worlds and the surrounding environment, addressing harmony and tension, body and mind, strength and softness. Transformation is approached as a dynamic process, sometimes synchronous, sometimes asynchronous, where apparent lightness conceals complexity and ambivalence. Chromatic sensitivity is activated against a systematically structured, matrix-like surface, while the formal language draws on the visual alphabets of 20th-century geometric abstraction. This collection marks a natural evolution of my artistic research, extending my earlier series MONDI FELICI, which explored processes of extrapolation and mixed-media displacement and has been presented in museum and international gallery contexts across Europe and beyond. »

2. What did you want to do as a child? Has art always been a part of your life, or did it come later?

« As a child, art was already part of my life, although not initially in the form of fine art. It emerged throughapplied arts, rooted in my family's long tradition of cabinetmaking. The Marcelly family designed andproduced furniture inspired by 18 th - and 19 th -century styles, featuring sculpted curves, as well as high-end, bespoke interior design projects that combined tradition and modernity, including for internationalhospitality spaces. This environment nurtured a strong sensitivity to form, material, and interior architecturefrom an early age.I spent a great deal of time observing how things were made: the logic of mechanisms, industrialmachinery, and the human organization surrounding production. With a child's curiosity and energy, Ibecame fascinated by processes, gestures, and the intelligence embedded in craftsmanship andconstruction. At the same time, I closely followed the experiments of my uncle, who was developing his own path as a visual artist. This constant dialogue between functional creation and artistic exploration deeply shaped my way of seeing. Very early on, I became attentive to symbols and to the deeper meanings that underlie objects, materials,and, more broadly, what animates human beings. This sensitivity was further nourished by my mother's curiosity and openness to contemporary art in all its forms. Through her, I had the opportunity to meet artists in their studios, exchange ideas about processes and perspectives with figures from diverse artistic movements, engage with gallery owners and art dealers, and visit major contemporary art fairs. During this formative period, I also developed a strong passion for philosophy, which I studied during high school. In my search for the essence of things, I was driven by the desire to articulate ideas through matter, to question reality through form, colour, structure, and systems, and to establish a meaningful link between materiality and the world of ideas. This philosophical approach has remained a constant foundation of my artistic practice. In parallel, my strong interest in mathematics, science, computing, and technology led me to pursue an engineering degree. Rather than diverting me from art, this path provided me with a structured way of thinking, a rigor of method, and a lasting fascination for systems, proportions, and transformation. Six years after completing my studies, it became both natural and necessary to fully appropriate this artistic path, to experiment through my own hands and to extend, in my own language, the research initiated by artists such as Malevich, Krasiński, Mondrian, Duchamp, Herbin, and Vasarely, whose work constitutes an immense legacy to be questioned, prolonged, and reactivated. Looking back, art did not arrive suddenly or later in my life; it has always been present, evolving organically from traditional know-how to conceptual research, from applied form to a fully articulated artistic language.»

3. How much of yourself is in your work? Would you say it deeply reflects you?

« A great deal of myself is present in my work, but not in a confessional or autobiographical sense.Rather than expressing emotions or personal narratives directly, my practice reflects the way I observe,analyze, and question the world.My work embodies my way of thinking: structured, rigorous, yet deeply attentive to uncertainty andtransformation. Trained as an engineer and driven by a philosophical approach, I construct each piece as asystem, a hypothesis made visible, where matter, geometry, light, and time interact. In this sense, myworks are not mirrors of my life, but extensions of my intellectual and perceptual framework.What is deeply personal is the ethical posture behind the work: the attention to balance, to precision, to thefragile equilibrium between force and fragility, control and openness. These tensions reflect my ownrelationship to the world, shaped by discipline, research, and a constant awareness of complexity.At the same time, my sculptures are deliberately incomplete without the viewer. Meaning is not fixed; itemerges through perception, movement, and position. The gaze does not simply discover the work, itactivates it. This displacement of authorship is essential to me: the work becomes a shared space ratherthan a personal statement.So yes, my work reflects me profoundly, but not as a portrait. It reflects my way of engaging with reality, mycommitment to questioning how we perceive, how we relate to space, and how meaning is continuouslyconstructed rather than given.»

4. If you could meet an artist from the past, who would it be?

« If I could meet an artist from the past, Piet Mondrian would certainly be one of them, not only for the radical clarity of his visual language, but for the philosophical depth of his thinking. Mondrian did notpursue abstraction as a style, but as a means of approaching a universal order: a dynamic balance between opposing forces. Today, I engage with his thinking through his works, writings, and archives, andthis ongoing dialogue continues to inform my own research on structure, equilibrium, and perceptual space. Another artist I feel particularly close to is Edward Krasiński. For a long time, I carried the intention of extending his iconic blue line, not as a quotation, but as a continuation in space and perception. This intention materialized during my retrospective exhibition "Between the Lines: Echoes & Experiences" at Galerie ARCADE in France (October–November 2024), where I developed a nuanced double line interacting three-dimensionally with my own relief structures. In this gesture, the line becomes less a boundary than a relational device, activating both space and the viewer's movement.

What deeply connects me to both Mondrian and Krasiński is their openness of mind, as well as their intellectual and geographic mobility. They understood art as a field of experimentation in constant motion, responsive to its time while reaching beyond it. This freedom resonates strongly with my own path, as I envision my practice evolving through dialogue with different artistic scenes, particularly within the Italian context, in the United States, and through deep cultural exchange with Japan. Meeting them would not have been about seeking answers, but about sharing a way of thinking, where artis a living system, continuously extended by those who engage with it.»

5. Are you working on any new projects?

« Yes, I am currently engaged in several interconnected projects that extend my ongoing research on perception, structure, and transformation. At the moment, my focus is on the production of new works that continue the HAPPY WORLD?, NO WAY? and RELATIVE POSITION research lines, where geometry, light, and material interact as dynamic systems rather than fixed forms. These works explore notions of resilience, balance, and renewal, concepts that resonate strongly with the Olympic context, but also with broader human and societal questions. In parallel, I am developing a new series of sculptural and graphic works that further refine my exclusive Hi-Tech Transplants process, integrating wood, lacquer, mirrors, and glass-based materials into increasingly precise perceptual devices. In these works, the viewer's position and movement play a central role, transforming observation into an active experience. The exhibition at Milan Museum of Art and Science represents an important milestone within this trajectory. It is both a moment of recognition and a point of transition, opening the way toward future institutional and international projects. Looking ahead, I am eager to expand my practice through collaborations with museums, curators, and cultural institutions, particularly within Europe, the United States, and Japan, where dialogues around abstraction, technology, and philosophy remain especially fertile. Rather than approaching projects as isolated events, I conceive them as chapters within a continuous research process, one that evolves through experimentation, encounter, and the constant redefinition of form and meaning.»

Save the Date: > Cerimonia Olympus Arts Awards > 13 Febbraio ore 17:30 – Museo d'Arte e Scienza, Milano > Via Quintino Sella n.4, Milano